tag:blogger.com,1999:blog-55371404629203534862024-02-19T08:21:29.607+01:00FilterrauschenStefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.comBlogger120125tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-77843670921009795052019-07-18T14:19:00.000+02:002019-07-18T14:19:03.774+02:00Labor/Labyrinth<span aria-level="4" class=" _2iem" role="heading">Labor/Labyrinth I-IV</span><br />
<span aria-level="4" class=" _2iem" role="heading">Werkstattkonzert für Lautes Denken </span><br />
<span aria-level="4" class=" _2iem" role="heading">Filterrauschen: Dennis Eckhardt & Stefan Lischewski </span><br />
<span aria-level="4" class=" _2iem" role="heading">Improvistaionskonzert an der Orgel und Flügel</span><br />
<span aria-level="4" class=" _2iem" role="heading">@Gustav-Adolf-Kirche in Berlin-Charlottenburg (DE) am 29.06.2019 </span><br />
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyt56d_SR16W1-topL3ns3U2zUuz2pz_W8UWFhngLBtyGzMlV5uNwrGSS9cEP90a0NCqfTwb9KUr4-XhnV7ZZrqTt3n2py3J_yBqomsNfMv5aO3bz7xIWEPa3LV3CBqp4b07_xbvPWU2Ur/s1600/IMG_0977.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1507" data-original-width="1600" height="376" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhyt56d_SR16W1-topL3ns3U2zUuz2pz_W8UWFhngLBtyGzMlV5uNwrGSS9cEP90a0NCqfTwb9KUr4-XhnV7ZZrqTt3n2py3J_yBqomsNfMv5aO3bz7xIWEPa3LV3CBqp4b07_xbvPWU2Ur/s400/IMG_0977.jpg" width="400" /></a></div>
<br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjZAdxmt6ru4IFKf_GqemlP6yhC73d2JOz3S4jm37OKQzzicqbBJuevyVYE6ewZZYBKeux34-55Hliwu04lr6YGYGk3_8ouSSLS9zC9P-dn4CxRv5u2YyR1XMmki5hpj4rrPHQK_KXFzjQ/s1600/IMG_0990.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1200" data-original-width="1600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjZAdxmt6ru4IFKf_GqemlP6yhC73d2JOz3S4jm37OKQzzicqbBJuevyVYE6ewZZYBKeux34-55Hliwu04lr6YGYGk3_8ouSSLS9zC9P-dn4CxRv5u2YyR1XMmki5hpj4rrPHQK_KXFzjQ/s400/IMG_0990.JPG" width="400" /></a></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXW-Vktvq8xQbgBQugCi5oZtDc0sE3xjiOjPb2I2Hp8QUPdSskzuNq8EN1mDjJoxG9NUDbvD1YRuToO6dhnUkTzG6qwV42uopOYBGsAhw8tXQ9VwrIOvT54mTePc63W-41K5Gk3TIZAZTG/s1600/IMG_0979.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXW-Vktvq8xQbgBQugCi5oZtDc0sE3xjiOjPb2I2Hp8QUPdSskzuNq8EN1mDjJoxG9NUDbvD1YRuToO6dhnUkTzG6qwV42uopOYBGsAhw8tXQ9VwrIOvT54mTePc63W-41K5Gk3TIZAZTG/s640/IMG_0979.JPG" width="480" /></a></div>
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<a href="https://www.facebook.com/pg/Filterrauschen/photos/?tab=album&album_id=2613832361962613" target="_blank">Fotoalbum Labor/Labyrinth</a>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-23068213648541758302018-01-25T15:01:00.001+01:002018-01-25T15:01:39.328+01:00ReTuner<h2>
ReTuner</h2>
A web-browser based musical instrument in Just Intonation. Each key plays a pure musical interval and then retunes the whole instrument. Use keyboard or mouse to make justly intoned music with an unlimited scale.<br />
<br />
Every time you hit a coloured key, it plays a note and transposes the whole instrument by the same interval. The tuning is Just Intonation, which a<span class="text_exposed_show">re the natural perfect fifths (3:2 frequency ratio) and major thirds (5:4) found in nature.</span><br />
<br />
<span class="text_exposed_show"><a href="https://www.retuner.net/">ReTuner</a> developed by <a href="https://www.facebook.com/dave.ryan.562?hc_ref=ARQ4XfVOThKWLZ70UkFCz4SkyzLL3L28fxsZRYz9Yf2NnmQnSZjmYJlE1P9CYJo5yj4">Dave Ryan</a></span><br />
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0WA8t7qVhWahgUqV_MhIfTaze1QBEDsR3YhXoGyVMPZQHrlZOAIVhirEqLIs2l-LF6FqIXfR31mXYo9KEFUBw3eUpXlgfMqB-O3eb7creTFo1BxOzatXPdwLzG6lFBLvB3pdfdR31LTk/s1600/Bildschirmfoto+2018-01-25+um+14.27.12.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="707" data-original-width="1335" height="338" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj0WA8t7qVhWahgUqV_MhIfTaze1QBEDsR3YhXoGyVMPZQHrlZOAIVhirEqLIs2l-LF6FqIXfR31mXYo9KEFUBw3eUpXlgfMqB-O3eb7creTFo1BxOzatXPdwLzG6lFBLvB3pdfdR31LTk/s640/Bildschirmfoto+2018-01-25+um+14.27.12.png" width="640" /></a></div>
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<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPFZntxy7jHiACnyVflIUHjW2SLb7xYeTjXMPTfC6EjbTERrW56s2Wg6f8MkNjpF31bH-X4RZ1eSjELLpdeOQ6CAhhpcbFvK70M4KjiGFiYiQsIQ7tIMfahIFN0MsigitSqomIASN_SZk/s1600/Bildschirmfoto+2018-01-25+um+14.27.43.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="526" data-original-width="1321" height="254" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPFZntxy7jHiACnyVflIUHjW2SLb7xYeTjXMPTfC6EjbTERrW56s2Wg6f8MkNjpF31bH-X4RZ1eSjELLpdeOQ6CAhhpcbFvK70M4KjiGFiYiQsIQ7tIMfahIFN0MsigitSqomIASN_SZk/s640/Bildschirmfoto+2018-01-25+um+14.27.43.png" width="640" /></a></div>
<span class="text_exposed_show"><br /></span> <span class="text_exposed_show">For contact or questions there is a FB group:</span><br />
<span class="text_exposed_show"><a href="https://www.facebook.com/groups/retuner/about/">ReTuner FB Group</a></span><br />
<br />Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-66163191611848282952018-01-24T16:45:00.001+01:002018-01-24T16:45:39.529+01:00Sichtachsen: eine Generalprobe<h2>
Sichtachsen: eine Generalprobe </h2>
<h4>
Zu Simon Steen-Andersens Klavierkonzert im Pierre-Boulez-Saal beim Ultraschallfestival</h4>
<div style="text-align: justify;">
Am Samstag (20.01.) fand die Generalprobe statt. Ich hatte das Privileg dabei sein zu dürfen. Das Werk kannte ich schon im Voraus und war gespannt, etwas vom Arbeitsprozess miterleben zu dürfen. Ich freue mich ja immer, wenn ich zu Probenarbeiten eingeladen werde, da hier meistens spannende Einblicke möglich sind, sowas wie eine lebendige Analyse der aufzuführenden Werke.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Das erste, was mir auffiel, war die riesige Leinwand, die drohend über den Köpfen der Musiker schwebte. Das Parkett war komplett geräumt und mit Orchester und Klavier gefüllt. Der Pierre-Boulez-Saal war offensichtlich zu klein oder ungeeignet für dieses Konzert, eine unglückliche Liaison. Interessanterweise gab es nach dem ausverkauften Konzert Kommentare, dass es noch viele unbesetzte Plätze gab und eine Menge Leute hätten erfolglos versucht noch Karten zu bekommen. Schade eigentlich.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Das Problem, das sich durch den Aufführungsort ergab, war nicht nur eines der Aufstellung und Sitzordnung, sondern auch der Wahrnehmung. Der Raum beeinträchtigte die Wahrnehmung. Als Fluchtpunkte gibt es bei diesem Stück eben nicht nur Orchester und Pianist, sondern eben noch die große Leinwand und eine weitere Projektion des Pianisten als sein eigenes Double. Das kann auf einer breiten Bühne und in einem entsprechenden Saal wunderbar funktionieren, hier zerreißt es die verschiedenen Sichtachsen. Das Klavierkonzert ist betont mutimedial angelegt, wirkt aber doch mehr als eine organische Klangtextur mit spielerischem Irritationspotential.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Bei der Vorbereitung konnte man gut erkennen, wie groß die Schwierigkeit der Technik war eine einigermaßen funktionierende Beleuchtung herzustellen, so daß die zwei Projektionen zu sehen waren und die Musiker aber nicht im Dunkeln spielen mussten.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Orchester (DSO Berlin), Solist (Nicolas Hodges, der auch schon die Uraufführung spielte) und Dirigent (Enno Poppe) spielten das Werk hervorragend und souverän.</div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoqRU20QODT55iyQt6D66GeEy7jT3B9ZjuknCfMxgMr1plZd1TPTLYchNtMw1PGoKOrKllUMp9ttNg7TwM_FhaOwZV3WIlc9LG5Y-VGdAHKxDiny68Ix1zpg5Gjd-RdhKKjAfqPBLXUx4/s1600/opera-67497_1280.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="776" data-original-width="1280" height="387" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoqRU20QODT55iyQt6D66GeEy7jT3B9ZjuknCfMxgMr1plZd1TPTLYchNtMw1PGoKOrKllUMp9ttNg7TwM_FhaOwZV3WIlc9LG5Y-VGdAHKxDiny68Ix1zpg5Gjd-RdhKKjAfqPBLXUx4/s640/opera-67497_1280.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">public domain</td></tr>
</tbody></table>
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<br />Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-10916620625824367422018-01-22T21:56:00.000+01:002018-01-23T11:04:02.659+01:00Zum Begriff der Immersion in der Musik<h2>
Zum Begriff der Immersion in der Musik</h2>
<div style="text-align: justify;">
Das Wort Immersion ist vom spätlateinischen <i>immersio</i> abgeleitet, was soviel wie etwas eintauchen bedeutet, welches auch heute noch eines seiner Hauptbedeutungen ist. Im Speziellen ist damit ein Verlust von Rationalität und Bewusstheit durch Versenkung in eine Tätigkeit oder Erfahrung gemeint, auf die ich mich in diesem Zusammenhang beziehe. Besondere Merkmale dieses Phänomens sind Ichverlust und das Gefühl der Zeitlosigkeit bzw. eine verändertes Körper- und Zeitempfinden.</div>
<div style="text-align: justify;">
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6PM65xKux9zh9CURk45dbWee4yWvllArWwe5NH1EiapWSChIWOlQHNQZOB3xafPPxZcDmepAE9lSN4uqgqXvyEJPBE3mTrehA6sJRqeSzKmqzNMcE5gA_6AmgOdYWTc2tn1iXewbM2C4/s1600/turtle_sea_turtle_sea_turtle_nature_animals_water_barbados_holidays-607744.jpg%2521d.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="677" data-original-width="1200" height="360" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg6PM65xKux9zh9CURk45dbWee4yWvllArWwe5NH1EiapWSChIWOlQHNQZOB3xafPPxZcDmepAE9lSN4uqgqXvyEJPBE3mTrehA6sJRqeSzKmqzNMcE5gA_6AmgOdYWTc2tn1iXewbM2C4/s640/turtle_sea_turtle_sea_turtle_nature_animals_water_barbados_holidays-607744.jpg%2521d.jpg" width="640" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Public Domain</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
Immersion ist ein gegenwärtig in der Spieleindustrie aber auch im Museumsbereich sehr beliebter Begriff, wo es darum geht, entweder Virtuelle oder Erweiterte Wirklichkeiten (Virtual / Augmented Reality) zu schaffen oder Wissen über Erleben zu vermitteln. Das Konzept, ohne den Begriff der Immersion zu verwenden, wurde in 1926 im Zusammenhang mit den ersten Rundfunkübertragungen erfunden. Die Terminologie wurde in 1965 populär gemacht im Kontext von Fremdsprachenunterricht. Der Begriff wurde von der Unterhaltungs- und Marketingindustrie aufgegriffen, fand aber keine größere oder ernsthafte Auseinandersetzung in den Geisteswissenschaften und auch keinen Eingang in deren terminologisches Instrumentarium, da dieser selber zu schwammig definiert oder unbrauchbar ist bzw. andere tradierte Konzepte diesen Bereich bereits besetzt halten. Immersion ist ein allgegenwärtiges Phänomen, welches sich nur schwer oder gar nicht vermeiden lässt, vor allem da es einem die meiste Zeit nicht bewußt ist. Es lassen sich allenfalls verschiedene Grade von Immersion erkennen, aber sämtliche Einflußbereiche, in die wir eingetaucht sind, festzustellen, wird schon sehr viel schwerer bzw. unmöglich.<br />
<br />
Erklingt Musik, sind wir in den Klang, den Schall eingehüllt; für gewöhnlich hat der Aufführungsraum oder -stätte einen immersiven Charakter; Aufführungspraxen, Rezeptionsgewohnheiten und -konditionierungen überlagern die rein akustische Wahrnehmung; Rituale und soziale Interaktionen verändern Erwartungshaltung und Hörmodus; visuelle Reize von Raum, Umgebung und Musiker erzeugen Modifikationen des Gehörten; selbst Kopfhörermusik verschiebt den Fokus auf den stereophonen Aspekt von Klang und unseres Hörens weg von anderen Reizen. Die Musik selbst entfaltet eine Syntax der Abfolge, spielt mit Zeit und deren Wahrnehmung. So läßt sich feststellen, dass der ästhetische Fokus und die anästhetische Defokussierung schiften, aber Immersion immer anwesend ist. <br />
<br />
In der Musik kann Immersion ein angestrebtes Ziel sein, wie bei Clubmusik im Sinne von einer physikalischen Überwältigung (z.B. Techno, House, Drum ’n’ Bass) oder hypnotischer Aufgehobenheit (z.B. Ambient, Trance, Psy). Er kann aber auch zum Problem werden, wenn ein Inhalt transportiert werden soll, der durch Immersion verloren geht. Gerade engagierte, politische und kritische Musik läuft hier Gefahr, durch die Versunkenheit des Publikums ihr eigentliches Ziel zu verfehlen. Der schöne Klang wird dadurch verdächtig und unbenutzbar, aber letztendlich ist das eine alle akustischen Ereignisse betreffende Problematik. Das läßt sich gut bei den Werken Helmut Lachenmanns beobachten, die ja den klassischen Ton und philharmonischen Apparat sezieren und offenlegen sollen, dann aber trotz oder gerade mit erweiterten Spieltechniken und Materialien wieder einen neuen Zauber erzeugen, der das kritische Potential seiner Strategien sabotiert. Besonders textlose, autonome und rein instrumentale Musik ist dieser Dichotomie unterworfen und herausgefordert. Während vokale, textbezogene Musik immer den Vorteil des Instruktiven hat. Die Frage, die sich dabei aufdrängt, ist: Wie kann Immersion so verschoben werden, dass diese die zu transportierenden bzw. zu kommunizierenden Inhalte nicht behindert? Oder aber auch: Wie kann Immersion genutzt werden, um spezifische Inhalte und Konzepte erlebbar und erfahrbar zu machen? Mögliche Ansätze können in Intermedialität, aber vor allem in Interaktivität gefunden werden. Die interaktive Einbeziehung des Zuhörenden ermöglicht die Steuerung von Aufmerksamkeit. Durch entsprechende Konzepte und Strategien kann eine Aktivierung erfolgen, bestimmte Wahrnehmungen und Erfahrungen herbeigeführt werden, die Inhalte kommunizieren bzw. vermitteln.</div>
Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-70802033562000540772018-01-20T14:50:00.002+01:002018-01-20T14:50:40.234+01:00Ultraschall 2018 - Eröffnungskonzert. Eine Nachlese<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmy0fM0Jqs_3zQ1M8Nl2Tqsh18RXbP9RO7IFld3ouuAaOH8uZIixIcVMO9EUbq9Y47M9sUA0WKQo-te5jngBsPptjDt02mE2on7S_Mb8hdyY5bgQcoUJwbwzzU4BfmwKTcddhd6wv1Y7Yf/s1600/ultraschall+2018_1.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjmy0fM0Jqs_3zQ1M8Nl2Tqsh18RXbP9RO7IFld3ouuAaOH8uZIixIcVMO9EUbq9Y47M9sUA0WKQo-te5jngBsPptjDt02mE2on7S_Mb8hdyY5bgQcoUJwbwzzU4BfmwKTcddhd6wv1Y7Yf/s320/ultraschall+2018_1.jpg" width="240" /></a>Es ist wieder soweit: Ultraschall in Berlin. Wieder volle Tage voller zeitgenössischer Musik. Das Festival findet dieses Jahr schon zum 20ten Mal statt. Ich war beim Eröffnungskonzert am 17.01.2018 im Haus des Rundfunks und habe mir einige Eindrück verschafft.<br />
<h3>
War was?</h3>
Ist das Jahr wirklich schon wieder vorbei? Einmal im Jahr suche ich bei der BVG die beste Verbindung zum Haus des Rundfunks. Und immer wieder ärgere ich mich darüber, meine Jacke an der Gardero<br />
be abgeben zu müssen (das mag ich leider gar nicht). Und irgendwie habe ich das Gefühl, dass das Publikum immer grauer wird. Ist mir das früher einfach nicht aufgefallen? Es sieht irgendwie stark nach Grunewald aus (der ja auch tatsächlich hier deutlich näher ist, als am Heimathafen Neukölln). Zumindest habe ich bei Konzerten im Radialsystem oder sonstwo im Osten nie eine derartige hohe Dichte an Grauköpfen erlebt.<br />
Gabs nicht erst neulich irgendeinen neuen Vorstand bei der INM? Ich muss nachdenken: Die Grauköpfe scheinen mir irgendwie doch mehr present zu sein, als ich dachte.<br />
<br />
Ach, ne, nix gegen Senioren*innen - das wäre ja quatsch. Oder? Wie zeitgenössisch ist denn dann zeitgenössische Musik? Holliger beispielsweise, der kein Ende finden mag, wenn er über die gespielte Musik gefragt wird. Durchaus interessant, welche Ansichten dieser Mann hat (manchmal auch verstörend, und manchmal auch bestätigend). Aber ein Ende findet der Mann nicht. Da kommen dann oft solche Sätze wie "dies und jenes wurde in der Musik immer falsch verstanden", "hier hat sich ein unsäglicher Trend durchgesetzt", und dann noch irgendwelche Metaphern mit Lebenskreisen oder -kugeln, und der Ton D, der angeblich ein Lebenston sei.<br />
<br />
Alter Mann erklärt Musik. Mir sagt das alles nix.<br />
<br />
Wer denn dieser Jacques Wildberger sei, wurde Holliger, der Dirigent des Abends gefragt. In Deutschland kenne niemand diesen schweizer Komponisten, und welche Bedeutung er habe. "Eine sehr große" antwortet Holliger sofort. Ist ja klar: Jemand, den man noch nie gehört hat, hat eine große Bedeutung. Nein, nicht dass das nicht möglich wäre. Es klingt nur komisch es einfach gegenzubehaupten. Das Stück jeden Falls schien mir in der Hinsicht bedeutend. Ob positiv oder negativ weiß ich noch nicht.<br />
<br />
<h3>
Der politische schweizer Komponist</h3>
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgRwijdrpKXLDlxbZbey9gmIORyxLXH-pjp3f8haOdGgP5CMyKx9Zlyg0A-_c9LMz6oDTVQTgbGJHbNElxmH6wuOecsOKasjXVtnzdifCnOcI4ST1StzjUk5qyWb5M6rwg_LkcJzJsuQ3c/s1600/ultraschall+2018_2.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgRwijdrpKXLDlxbZbey9gmIORyxLXH-pjp3f8haOdGgP5CMyKx9Zlyg0A-_c9LMz6oDTVQTgbGJHbNElxmH6wuOecsOKasjXVtnzdifCnOcI4ST1StzjUk5qyWb5M6rwg_LkcJzJsuQ3c/s320/ultraschall+2018_2.jpg" width="240" /></a>Wildberger sei immer politisch gewesen, und habe mit dem Stück Canto versucht Musik zu schreiben, die politisch sei, aber nicht explizit bspw. durch einen Begleittext, oder eine Vertonung von politischen Worten daherkomme. Wie das denn gehe, wurde Holliger gefragt, der vollkommen zurecht darauf hinwies, dass er nicht verstehe, wie Musik nicht politisch sein könne. Da hat er recht. Musik muss nicht "Das Kapital" von Marx in eine Singstimme legen, damit es politisch wird. Musik wird nicht nur dann politisch, wenn Worte - die diskursive Ebene, die fast ausschließlich mit dem Politischen assoziiert wird - fallen. Merkwürdigerweise bringt Holliger als Gegenbeispiel das Credo aus der Matthäus-Passion an. Also doch wieder Worte. Dass ein religiöses Glaubensbekenntnis politisch sein kann, zu Krieg und Frieden führen kann (wie jetzt?), scheint mir irgendwie plausibel.<br />
<br />
Aber worin ist Musik politisch, wenn sie nichts diskursives verwendet, sondern rein akustisch, irgendwie ästhetisch funktioniert? Schwierige Frage meiner Meinung nach. "ba ba ba ba damm" macht Holliger eine Tonsequenz aus dem Stück nach, "das sei hoch politisch". Das will mir allerdings nicht gleich einleuchten. Fällt das Politische an Musik, wenn es nicht diskursiv geäußert wird, nicht an die Zuhörenden zurück? Also mal so gesagt: Wenn es keine Erklärung gibt, keine Worte, dann ist doch die politische Ebene in meinem Kopf, oder? Was ich mir zu der Musik denke. Canto also, das Stück von Wildberger, versucht sich nach dem Komponisten selbst, ein Gesang zu erheben und zu artikulieren. Eine Stimme, die sich zu befreien versucht.<br />
<br />
Von was? Wie jetzt?<br />
Achso, ohne diese Metapher der Stimme geht es dann nicht. Das Politische wird hier verdeckt von einer Metapher der Stimme oder des Gesangs, als Bild für "das Stimme haben" (voice matters) - natürlich im politischen Sinne und nicht gesangstechnischen Sinne.<br />
Hm, ok. Muss ich nochmal drüber nachdenken.<br />
<h3>
Lichter licht und Leuchte</h3>
<div>
Das erste Werk des Abends allerdings war von Bernd Alois Zimmermann: Photoptosis. Zimmermann wird zunächst von Holliger in die höchsten Sphären gelobt. Nach Mendelssohn hätte es niemanden mehr gegeben wie ihn (oder so ähnlich). </div>
<div>
Mit dem Stück kann ich was anfangen: Die wiederholende Ästhetik liegt mir, damit spiele ich auch rum. Klangflächen, die auf- und abgebaut werden, die sich dauernd wiederholen, mal wieder aufgebrochen werden. Ja doch, ich muss sagen, dass auch ich diese Form der Ästhetik sehr schätze und leiden mag. Zimmermann sei inspiriert gewesen von den Fenster- und Lichtflächen im <a href="https://de.wikipedia.org/wiki/Musiktheater_im_Revier" target="_blank">Gelsenkirchener Opernhaus</a> (von dem ich nicht wusste, das es existiert). </div>
<div>
<br /></div>
<div>
Ich kann einfach etwas damit anfangen, wie Existentielles so verpackt wird. Auch ich habe das ja in meiner Orgelimpro I und II mit dem Titel "Existing Through Nightmares" (hier auf dem Blog) versucht. Wie gut das immer gelingt weiß ich selber nicht. Und wie überzeugend das ist. Irgendwie macht diese Musik etwas mit mir. Auch wenn ich sagen muss, dass ich persönlich auf den Collagen-Mittelteil mit Zitaten auch hätte verzichten können. Brauchts das? Auch wenn es bei Zimmermann irgendwie sinnhaft eingebaut wurde, und nicht nur so im Raum steht als Zitat, hätte ich es weggedampft. Sei's drum.</div>
<h3>
Überinterpretation und Bildvölle</h3>
<div>
Holligers Konzert für Violine und Orchester lässt mich dagegen komplett ratlos zurück. Ich kann damit fast nichts anfangen. Im Interview beschreibt Holliger ohne enden zu wollen wofür die Instrumente stehen (Marimbaphon für den Tod und dergleichen), welche Bilder von Louis Soutter, auf deren Basis das Stück beruht, wie und wo versucht wurden umzusetzen. </div>
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Mein erster Gedanke: Ich will die Bilder vielleicht mal sehen. </div>
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War hier nicht möglich. Gut, dann eben die Gedankenwelt. </div>
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Tiefes Schwarz, irgendwie abgeronnene Existenz eines Malers und Musikers. Ja doch, irgendwie interessant. Und dann in Musik? Puh, keine Ahnung. Sicher hat Holliger sich intensiv mit Soutter beschäftigt und versucht ihn (oder was genau?) in die Musik zu transportieren. Ich kann das nicht nach verfolgen. Mir ist der Aufbau der Musik vollkommen unklar (und da hilft auch kein Begleittext). Ich verstehe nicht, warum sich Instrumente wie auch immer verhalten. Und als ich versuchte mich davon zu lösen ("na dann eben nur die Musik") war ich auch hilflos. Keine Ahnung was es da braucht, dass ich das verstehen kann. Mir kommt es einfach so vor, als sei das Stück überladen mit Interpretationen, was-steht-für-was, welche Bilder stehen dahinter und sollen erzeugt werden. Da bin ich raus.</div>
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<br /></div>
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Gegen Ende des Werks war ich dann aber wieder dabei. Als Violine, Harfe, Zimbalon und Marimbaphon alle mit Bogen oder eben Pferdehaar gespielt wurden, entstand etwas, dass ich verstehen konnte, und bei dem ich irgendwie mitdenken konnte. Das holte mich irgendwie ab, und machte etwas mit mir. Auch das Ende, tiefe knurrende Töne und hohes Flirren verstand ich. Aber der Großteil lässt mich ratlos. Zuviel ist wohl doch zuviel (und nicht immer wundervoll wie Liberace meinte). Schauen wir mal, was noch so kommt.</div>
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<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06704746730827486748noreply@blogger.com3tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-74211297929277804022018-01-03T16:55:00.000+01:002018-01-03T17:01:23.631+01:00The Homoerotic Classical - or The Violence of Ignorance<h2>
<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">The Homoerotic Classical</span></h2>
<h4>
<span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">or The Violence of Ignorance</span></h4>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "courier new" , "courier" , monospace;">This is the english version of an article I published <a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2014/01/wie-homoerotisch-sind-eure-klassiker.html" target="_blank">here</a> earlier in 2014 as a reaction to certain political events at that time. The article was originally written in German and published for the anniversary of Franz Schubert's birthday.</span><br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHlfGRzR6BbLDeYGGY9kFAfPN3IMlBmq4SKTn6RvAd451e-S_gp5vdTeUlhWXq9uaRJ1U7zIuytGFE8H-aQK0NIi4fzwZkczzJ2S9195bzTaCsGI_iVjw9gxJFCf7BdbQD3we7cREiJ88/s1600/Moritz_von_Schwind_Schubertiade.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="406" data-original-width="674" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhHlfGRzR6BbLDeYGGY9kFAfPN3IMlBmq4SKTn6RvAd451e-S_gp5vdTeUlhWXq9uaRJ1U7zIuytGFE8H-aQK0NIi4fzwZkczzJ2S9195bzTaCsGI_iVjw9gxJFCf7BdbQD3we7cREiJ88/s1600/Moritz_von_Schwind_Schubertiade.jpg" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="mw-mmv-title">S</span><span style="font-size: x-small;">chubertiade, Sepia-Zeichnung von Schuberts Freund Moritz von Schwind, 1868 aus der Erinnerung gezeichnet. Wien Museum, Wien</span></td></tr>
</tbody></table>
</div>
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;"><br /><br />First I wanna start with a list of composers:<br /><br />Jean-Baptiste Lully<br />Georg Friedrich Händel<br />Wolfgang Amadeus Mozart<br />Ludwig van Beethoven<br />Franz Schubert<br />Camille Saint-Saens<br />Peter Iljitsch Tschaikowski<br />Richard Wagner<br />Anton Bruckner<br />Carol Szymanovsky<br />Gustav Mahler <br /><br />That looks pretty old-fashioned, so here are a few more names of composers, that lived in the last century:<br /><br />Aaron Copland<br />Peter Maxwell Davies</span></span><br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Henry Cowell</span></span><br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><span style="font-size: small;">Benjamin Britten<br />Hans Werner Henze<br />Claude Vivier<br />Leonard Bernstein<br />John Cage<br />Pierre Boulez <br /><br /> So again: how homoerotic were these and other composers? With this question, I want to shake up the nevertheless very normative, standardized and regulating music business and critically question the appropriation of artists and works by religious, conservative (regressive) or anti-humanistically tainted politics. One example is Russia (anti-homo-propaganda laws etc.) and the trying to hide or retouch Tchaikovsky's sexuality or the discussion about teaching content in the schools of Baden-Wuerttemberg. Very recently we see disturbing politics raising in all over the world, but most worrying in the US. We have already experienced similar things in a different context. Fag-Bashing has a sort of tradition: Heine against Platen or Adorno and Horkheimer against Golo Mann. Examples of how to compete with all the means in the cultural competition for the feeding troughs and the best place on the teats of the Wollmilchsau are abundant.<br /><br />I am not interested in whether music sounds gay (which I doubt) or whether the homoerotic tendencies of some composers and artists are or were relevant to their work (which is possible, but probably not exhaustive). Also, I do not want to propagate homosexual propaganda here according to the motto "the gayer the artist the prettier and better the artworks" or "the one and only true art was made and invented by gays". Also a commercial exploitation à la Bertelsmann I consider highly questionable. The question aims at the context of social perception: life details, events, and situations are left out, glossed over, retouched or brazenly referred to as service to the art. This heteronormative capture is what pushes me! If you do not want to know or know anything about the private side of an artist, nowadays this is a choice you can make. But then you can not assume for a long time that everyone corresponds to a heteronormativity that does not exist anyway.<br /><br />Likewise, I reflect here on the strange behavior of some colleagues (musicians and composers): Advice such as "it would be better for one's career, if you are heterosexually oriented," plump jokes in the old guard style, not serious insults or even the repeatedly heard we-have-nothing-against-gay-babble or we know the score and the list goes on.<br /><br />The whole thing is also part of a larger complex: sexism. And it goes through the history of music like Syphilis through human history. Women were not allowed to make music or play specific instruments, as they had a ban on performing in public. They were denied the ability to compose or their desire to make music was simply suppressed. Even recently women have been not hired in orchestras despite their highest qualifications and abilities because of the elitist boy's club mentality. Now the question may come, what does homophobia have to do with women or sexism? Everything. The reason being is because of the unequal treatment of women as it relates to sexual normalization and this linear thinking structure is consistently against non-standard sexuality such as homosexuality. Behind this is the patriarchal fear and paranoia that homosexuals could treat heterosexual men as women and thus equate with women, but not in a positive sense. Figuratively speaking: A man could lust after and rape other men or treat them like women or girls. For many, a restrictive and inexperienced sexuality may be behind it, which may not allow the other, that what one denies himself, a commonly known but oppressive mechanism. Another example is the discrimination against both men and women who do not live up to certain heterosexual attire and appearance standards, regardless of whether they are heterosexual, homosexual or bisexual.<br /><br />I am not here to demand any special rights for minorities. Even if that hurts some good and better people: assholes are everywhere and minorities are not excluded. So what is it? It is about insisting on equal rights for all people. This includes questioning certain large-scale, linear narrative structures and leaving them out of a general or negotiated consensus. Which also has to lead to the fact that in the music business, in music research, and in the reception these linear thinking concepts must be omitted, so that we can finally understand humans completely as human beings. Because humans have many facets and a black and white picture does not do it justice. In this context, I can not follow any debate about the absent or outdated person in the context of transhumanism or posthumanism: This sounds too much like science fiction with an emphasis on fiction. I still do not see any of them realized not even rudimentary, so what remains is Humanism.<br /><br />Here is the reference to the so unpopular Kinsey Report, which (revolutionary in its day and still highly current) has shown that a subdivision in just heterosexual or homosexual barely durable and rather a Continuum of different degrees of bisexuality among humans (up to 95%) is widespread and therefore probably normal. I also conclude that this is a representative result that can be applied to other epochs and sections of history. Because according to Kinsey, who was a biology behavioral scientist, asexuality is the exception. So we can assume that most people have followed some form of their (bi-) sexuality, however, these may have looked.<br /><br />The bottom line is Humanism and, as part of it, an unbiased acceptance of sexuality, but also gender. This also means that I am against the typical discourse of gender studies: Here more and more differentiated into distinctions and just forgotten the similarities about it or made completely invisible, as an example should satisfy here the discussion whether we should next to the toilets for men and women also set up toilets for transsexuals or intersex people, which deepens the diversity, separateness, and inequality. On the contrary, my recommendation here would be: No special rights but a unisex toilet for all and thus a change of mutual interaction, so instead of a material substitute solution a solution in thinking.<br /><br />But as long as we have not achieved this unprejudiced acceptance of human behavior, minorities must appear aggressive, make themselves heard politically, walk on the streets, show others the perversity of their thinking and acting, and create visibility. That's why I have to ask the question of homoeroticism in art, I have to attack and question the patriarchal and other hierarchies, even if it is embarrassing, unpleasant or disturbing. Because at some point that should not be any more embarrassing, unpleasant or disturbing! And certainly I'm not concerned with a form of political correctness, it's just a hiding behind words and phrases! I want to be accepted as a human, without ifs and buts!<br /></span></span><br />
<div style="background-color: white; line-height: 18.2000007629395px; text-align: justify;">
<div style="color: #444444; line-height: 18.2000007629395px;">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: "helvetica neue" , "arial" , "helvetica" , sans-serif;">And this is the original <a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2014/01/wie-homoerotisch-sind-eure-klassiker.html" style="line-height: 18.2000007629395px;" target="_blank">German version</a> I wrote in 2014.</span></span></div>
<span lang="EN-GB">
</span>
<br />
<div style="color: #444444; font-size: 13px;">
<span lang="EN-GB"><span style="font-family: "trebuchet ms";"><br /></span></span></div>
<span lang="EN-GB">
</span></div>
Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-41125996895774952602017-12-23T16:40:00.001+01:002017-12-23T16:40:33.433+01:00Zu den Feiertagen: Sankt-Bach-Passion von Mauricio Kagel<div style="text-align: justify;">
Zu den Feiertagen empfehlen wir als Alternative zu <i>Weihnachtsoratorium, Nussknacker</i> und <i>Hänsel & Gretel</i>: </div>
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyUOZxJ449wcOhDfAaZvPjRwO8FjgH8qgdrO_GGfIeGjRCj0wq7VqkTNf2AxDVpOuDXoQfV4FRopTQQJNVi6tDHDnoPbICYXnfAS7ET5ap5tSn-EDJaV5pqwHU5rZk2MoND1zpFzerrjQ/s1600/675px-Mauricio_Kagel_%25281985%2529.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="900" data-original-width="675" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgyUOZxJ449wcOhDfAaZvPjRwO8FjgH8qgdrO_GGfIeGjRCj0wq7VqkTNf2AxDVpOuDXoQfV4FRopTQQJNVi6tDHDnoPbICYXnfAS7ET5ap5tSn-EDJaV5pqwHU5rZk2MoND1zpFzerrjQ/s400/675px-Mauricio_Kagel_%25281985%2529.jpg" width="300" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Mauricio Kagel, 1985. By Sjakkelien Vollebregt / Anefo - Nationaal Archief, CC BY-SA 3.0 nl, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=28899162</td></tr>
</tbody></table>
<br />
<b>Mauricio Kagel</b> (1931-2008):<br />
<b>Sankt-Bach-Passion</b> (1981-85)<br />
Oratorium für Solisten, Chöre und großes Orchester<br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Kagel vertont hier die Lebens- und Leidensgeschichte des berühmten Kantors nach
dem von Carl Philipp Emanuel Bach (Bachs zweitältester
Sohnes) und Johann Friedrich Agricola (ein Schüler Bachs) verfassten Nekrolog, hierbei folgt er streng der
formalen Konstruktion und Aufteilung von Bachs <i>Matthäuspassion</i>.</div>
<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3AuLQSGJofTQ5OV_ux1EoHp6SIAOADQxjxLvu26gntRmxZLAwBtS1uzEvbsfXPpyLJsyTsbziFhtlgUQg_mdCaMArRLpcV1LKOA1X7Tnjny7GG6RgCOG3v4EMSWLEk3etqem9dXZ2ApU/s1600/Johann_Sebastian_Bach.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="591" data-original-width="480" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi3AuLQSGJofTQ5OV_ux1EoHp6SIAOADQxjxLvu26gntRmxZLAwBtS1uzEvbsfXPpyLJsyTsbziFhtlgUQg_mdCaMArRLpcV1LKOA1X7Tnjny7GG6RgCOG3v4EMSWLEk3etqem9dXZ2ApU/s400/Johann_Sebastian_Bach.jpg" width="323" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="mw-mmv-title">Johann Sebastian Bach (aged 61) in a portrait by Elias Gottlob Haussmann,
copy or second version of his 1746 canvas. The original painting hangs
in the upstairs gallery of the Altes Rathaus (Old Town Hall) in Leipzig,
Germany.</span></td></tr>
</tbody></table>
<br />
<div style="text-align: justify;">
Natürlich spielt die Tonfolge B - A - C - H eine bedeutende Rolle und
ist Grundlage für Kagels serielle Permutationsverfahren. Es finden
Bearbeitungen seiner <i>Chorstücke</i>, die wiederum Bearbeitungen von
Bach-Chorälen sind, Eingang in das Oratorium. Die Klangsprache umfasst
Allusionen und Parodien von Barock über Romantik bis zum Expressionismus. Und in typischer kagelscher Manier ist nie ganz klar, was ernst oder was ironisch gemeint ist.</div>
<br />
Die Interpreten der Aufnahme:<br />
<br />
Anne Sofie von Otter, Mezzosopran<br />
Hans Peter Blochwitz, Tenor<br />
Roland Hermann, Bariton<br />
Peter Oggisch, Erzähler <br />
Gerd Zacher, Orgel <br />
Südfunk-Chor Stuttgart<br />
Limburger Domsingknaben <br />
NDR-Chor Hamburg<br />
Radio Sinfonie Orchester Stuttgart<br />
Mauricio Kagel, Dirigent.<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/65xLkTU7JWA" width="560"></iframe><br />
<br />
Hier der zweite Teil:<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/ytkyLt1ZiXE" width="560"></iframe><br />
<br />
<div style="text-align: justify;">
Wer jetzt noch nicht genug Kagel hat, kann hier noch etwas passendes zum 24. (Kagels Geburtstag) hören:</div>
<br />
Mauricio Kagel: <b>...den 24 XII 1931</b> (1988-91)<br />
für Bariton und Ensemble<br />
Divertimento Ensemble<br />
Maurizio Leoni, Bariton<br />
Sandro Gorli,Dirigent<br />
<br />
<iframe allow="encrypted-media" allowfullscreen="" frameborder="0" gesture="media" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/-ycBqMOWET0" width="560"></iframe><br />
<br />
<span style="font-size: x-small;">Quellen:</span><br />
<span style="font-size: x-small;">Klüppelholz (Hg.), Mauricio Kagel 1970-1980, DuMont, Köln 1981.</span><br />
<span style="font-size: x-small;">Klüppelholz (Hg.), Kagel ..../ 1991, DuMont, Köln 1991.</span><br />
<span style="font-size: x-small;">von der Weid, Die Musik des 20. Jahrhunderts, Insel Verlag, Frankfurt 2001.</span><br />
<span style="font-size: x-small;">Dibelius, Moderne Musik nach 1945, Piper Verlag, München 1998.</span><br />
<span style="font-size: x-small;">Metzger, Riehn (Hgs.), Musik-Konzepte 50/51 - Johann Sebastian Bach - Die Passionen, edition text + kritik, München 1986.</span><br />
<span style="font-size: x-small;">Heinz Josef Herbort<em>: </em><a href="http://www.zeit.de/1985/38/gott-uebervater/komplettansicht">http://www.zeit.de/1985/38/gott-uebervater/komplettansicht </a><time class="metadata__date encoded-date" data-obfuscated="MTMuIFNlcHRlbWJlciAxOTg1LCA4OjAwIFVocg==" datetime="2012-11-22T11:45:37+01:00" itemprop="datePublished">13. September 1985, 8:00 Uhr</time>
<time class="metadata__date" datetime="2012-11-22T11:45:37+01:00" itemprop="dateModified">Aktualisiert am 22. November 2012, 11:45 Uhr</time></span>
Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-40736785882624118282017-12-14T09:30:00.001+01:002018-02-06T12:15:04.623+01:00Existing Through Nightmares<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPSb4xy-_QhE95HUQuUIUEVlKtpK2d-4lDm-V2vEbEzVvPSEAUEa5uj9txyaV9-R4UXJi16kQj4ztUEjld-FLHJV6rEGl9mMK03wGTOiYmQZVs0dZ2OgkwSBGFIe0qzRwjlHyO-DRLg4jv/s1600/Programm+Orgelkonzert+DE+2017_Cover+Bild.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="528" data-original-width="645" height="261" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjPSb4xy-_QhE95HUQuUIUEVlKtpK2d-4lDm-V2vEbEzVvPSEAUEa5uj9txyaV9-R4UXJi16kQj4ztUEjld-FLHJV6rEGl9mMK03wGTOiYmQZVs0dZ2OgkwSBGFIe0qzRwjlHyO-DRLg4jv/s320/Programm+Orgelkonzert+DE+2017_Cover+Bild.jpg" width="320" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
Am 26.11.2017 habe ich in der Gustav-Adolf-Kirche ein Orgelkonzert gegeben, mit dem Titel dieses Blogs. Neben ein bisschen Literatur gab es in dem Konzert vor allem eine Improvisation von mir, die ich hier gerne mit Euch allen teilen möchte.</div>
<br />
Aus dem Programmheft:<br />
<br />
<blockquote class="tr_bq" style="text-align: justify;">
"Ich selbst habe in meinem orgelnden Leben schon immer gerne improvisiert. Allerdings war es immer schwer meinen Weg darin zu finden. Ich würde nicht behaupten, dass diese Suche abgeschlossen ist. Es gab aber einige Erlebnisse, die mich dahin gebracht haben wo ich heute bin. Mein damaliger Orgellehrer konnte mich von Zwängen in der Improvisationsszene befreien. Mit den Worten „Holocaust in Deutschland. Musik ist nicht mehr möglich. Spiel!“ gelang es ihm, mich von einengender Tonsprache, die durch verschiedene Stile festgelegt ist, zu befreien. Ich habe es immer als Gewinn empfunden atonal zu spielen. Mittlerweile treiben mich dabei natürlich eher die Fragen nach den gespielten Formen um, als die der tonalen Sprache. Improvisieren ist für mich angewandte Ästhetik, experimentelles Spielen mit musikalischen Formen. Es sind weniger Melodien, die mich inspirieren. Sondern vielmehr Formen, die andere Wege Musik wahrzunehmen ermöglichen. Besonders inspiriert haben mich Arbeiten von Philippe Schoeller, in denen Klangmuster rhythmisch versetzt wiederkehren, und aus denen manchmal einige Töne fliehen, entweichen und neue Wege gehen. Arbeit von Stefan Lischewski, besonders sein Stück „Terrain Vague“. Georg Friedrich Haas und sein Stück „Limited Approximation“, in dem Flächenklänge entwickelt werden. Morton Feldmans Stück „Rothko Chapel“, mit seinen mäandernden, und wabernden Klängen. In der Improvisation wird von all diesem etwas dabei sein. Es werden Umgänge hörbar, wie mit Albträumen was zu machen: Rotieren, stehenbleiben, Seufzen, Fliehen, Aushalten. Auch die Albträume selbst werden dabei sicherlich hörbar werden."</blockquote>
<br />
Das Stück würde inspiriert durch das Buch <i>Der Lärm der Zeit </i>von Julian Barnes, und seinem Ausdruck Albträume aushalten zu lernen. Hier ist das Stück - ich wünsche viel Spaß beim Hören!<br />
<br />
<br />
<br />
<iframe frameborder="no" height="300" scrolling="no" src="https://w.soundcloud.com/player/?url=https%3A//api.soundcloud.com/tracks/364737032&color=%23ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false&show_teaser=true&visual=true" width="100%"></iframe><br />
<br />
<br />
Im Januar 2018 erfuhr dieses Stück dann eine Erweiterung. Der quasi zweite Teil unter gleichem Titel spielt mit ganz ähnlichen Mitteln, Tonflächen und Klängen, produziert dabei aber eine sehr viel strengere Form, treibt mache Details ins Extreme.<br />
<br />
<br />
<iframe allow="autoplay" frameborder="no" height="300" scrolling="no" src="https://w.soundcloud.com/player/?url=https%3A//api.soundcloud.com/tracks/386431403&color=%23ff5500&auto_play=false&hide_related=false&show_comments=true&show_user=true&show_reposts=false&show_teaser=true&visual=true" width="100%"></iframe><br />
<br />
<br />
<br />Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06704746730827486748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-63636423028288504892017-11-21T19:16:00.000+01:002017-11-21T19:16:19.710+01:00Einladung: Werkstatt Für Lautes Denken<div class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-event-details-date">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Fr, 15/12/2017, 19:00 Uhr</span></div>
<div class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-event-details-category">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Konzert</span></div>
<h1>
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Filterrauschen</span></h1>
<h2>
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Werkstatt für lautes Denken</span></h2>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Die
in Österreich lebende Konzertorganistin Margareth Tumler (Universität
für Musik und darstellende Kunst Graz) setzt sich seit langem für die
"Entsakralisierung" der Orgel ein: Wie kann man mit dem Instrument ohne
kirchlichen Hintergrund frei künstlerisch umgehen? Zusammen mit dem
freischaffenden Berliner Komponisten Stefan Lischewski ergeben beide
eine kongeniale Zusammenführung: Wie kann für die Orgel zeitgenössisch
komponiert werden? Wie kann das Instrument stärker in den Fokus gerückt
werden?</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK6EL7CgDisgzo4WGQaIhHTwVyvFiWG9Ui5qs3Vrp2yicYgjKDxgyf8ZCoQb57TSzSFlb2eyIWwcZx0GkcT6tpsTxtVyrAAVCm5nU5p-mj1UJ9vSlBE62a5_ndceKnEE-Gu6Hvut3YQcQ/s1600/MargarethTumlerHS.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1292" height="400" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK6EL7CgDisgzo4WGQaIhHTwVyvFiWG9Ui5qs3Vrp2yicYgjKDxgyf8ZCoQb57TSzSFlb2eyIWwcZx0GkcT6tpsTxtVyrAAVCm5nU5p-mj1UJ9vSlBE62a5_ndceKnEE-Gu6Hvut3YQcQ/s400/MargarethTumlerHS.jpg" width="322" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /> Daher stehen im Konzert neben zeitgenössischer Musik auch
Werke, die zum klassischen Kanon der Orgel gehören: Exemplarisch werden
diese nebeneinander gestellt, Unterschiede beleuchtet, und
Gemeinsamkeiten benannt. Für dieses Instrument wird es wichtig, altes
und neues laut zu durchdenken.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"> Dazu passt die Gustav-Adolf-Kirche,
die von Otto Bartning erbaut wurde, und eine der wenigen originalen
Bauhaus-Bauten sakraler Architektur darstellt. Auch die Orgel eignet sich dafür hervorragend: Detlef Kleuker, der Orgelbauer, experimentierte damals mit neuen Registern, neuen Pfeifen, die es nicht in jeder Orgel gibt. Das Instrument ist nicht eindeutig barock oder eindeutig romantisch. Daher kann man hier besonders gut experimentieren, und neue Klänge und Spielweisen entwickeln.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><span data-mce-style="font-size: 11.000000pt; font-family: 'Calibri';" style="font-size: 11pt;"></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Das Konzert wird gefördert vom Kulturbeirat Charlottenburg-Wilmersdorf von Berlin.</span></div>
<ul>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Johann Caspar Kerll: »Passacaglia«</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Arvo Pärt: »Trivium«</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Stefan Lischewski: »Blaupause« (UA)</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Jean Guillou: aus <span id="goog_628112503"></span><span id="goog_628112504"></span>»Pièces furtives op. 58«</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Johann Sebastian Bach: »Passacaglia c-Moll BWV 582«</span></li>
</ul>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Filterrauschen
- ein Zusammenschluss des Komponisten Stefan Lischewski und des
Ethnologen Dennis Eckhardt - präsentiert neue und alte Werke für die
Orgel: laut neu durchdacht. Aus Graz reist dazu extra die
Konzertorganistin Margareth Tumler an.</span></div>
<div class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-block-center ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-text-style">
<div class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-event">
<div class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-event-info">
<ul class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-no-list-styles">
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Einführung: keine</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Dauer: 01:00h, Pausen: keine</span></li>
</ul>
<ul class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-no-list-styles">
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Gustav-Adolf-Kirche</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Herschelstraße 14, Berlin</span></li>
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Barrierefreiheit: motorische Einschränkungen</span></li>
</ul>
<ul class="ox-be282481f6-ox-0b3af0a85a-ox-1d2ccd4256-ox-c2f67b2e32-ox-95e7bbbc44-ox-f5bf925ac4-ox-0a13a1c75e-ox-1e9eab12dd-no-list-styles">
<li><span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Ticketpreis: freier Eintritt </span></li>
</ul>
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><span id="goog_628112511"></span><span id="goog_628112512"></span> <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnrKXlegEnEdGFywIkOvbx203ZhpPnJkGMbEsNCZqE2iws-0jMVJY2z-JmNCkpUTeydAgEPUj0_z3CuDiUG8PYcTWTwBgYqneIK5Ymo3Kd1EpUYSi0mnHUz3ASRHCF3n8h1SjcZcB_hxU/s1600/Filterrauschen-2017-KonzertFlyer.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1142" data-original-width="1600" height="285" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhnrKXlegEnEdGFywIkOvbx203ZhpPnJkGMbEsNCZqE2iws-0jMVJY2z-JmNCkpUTeydAgEPUj0_z3CuDiUG8PYcTWTwBgYqneIK5Ymo3Kd1EpUYSi0mnHUz3ASRHCF3n8h1SjcZcB_hxU/s400/Filterrauschen-2017-KonzertFlyer.jpg" width="400" /></a></div>
</span></div>
</div>
</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU_h_UT2IzZ42RD1yWE0eoS7aU_jA86dApi70JwTaouF7TpTZhWf4dlF8Axx5qGEr_jboRVEd_ctD85X4mqd_YgfxQIaARMyNalZzMRurRdmcpoy8OSEk2R29tm2nHiV0rPcOrwn82RT4/s1600/23825741_1856914307699724_1011553878_o.png" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1142" data-original-width="1600" height="285" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiU_h_UT2IzZ42RD1yWE0eoS7aU_jA86dApi70JwTaouF7TpTZhWf4dlF8Axx5qGEr_jboRVEd_ctD85X4mqd_YgfxQIaARMyNalZzMRurRdmcpoy8OSEk2R29tm2nHiV0rPcOrwn82RT4/s400/23825741_1856914307699724_1011553878_o.png" width="400" /></a></div>
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><br /></span>
<div style="text-align: right;">
<br /></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;">Links:</span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="https://www.facebook.com/events/149445025690139/" href="https://www.facebook.com/events/149445025690139/">https://www.facebook.com/events/149445025690139/</a></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="https://www.inm-berlin.de/de/konzertkalender/12405/filterrauschen" href="https://www.inm-berlin.de/de/konzertkalender/12405/filterrauschen">https://www.inm-berlin.de/de/konzertkalender/12405/filterrauschen</a></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="http://www.gustav-adolf-gemeinde.de/event/3417913" href="http://www.gustav-adolf-gemeinde.de/event/3417913">http://www.gustav-adolf-gemeinde.de/event/3417913</a></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="https://www.facebook.com/Filterrauschen/" href="https://www.facebook.com/Filterrauschen/">https://www.facebook.com/Filterrauschen/</a></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="https://www.facebook.com/margareth.tumler" href="https://www.facebook.com/margareth.tumler">https://www.facebook.com/margareth.tumler</a></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="https://www.facebook.com/stefan.lischewski" href="https://www.facebook.com/stefan.lischewski">https://www.facebook.com/stefan.lischewski</a></span></div>
<div style="text-align: right;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue", Arial, Helvetica, sans-serif;"><a data-mce-href="https://www.facebook.com/dennis.eckhardt.75" href="https://www.facebook.com/dennis.eckhardt.75">https://www.facebook.com/dennis.eckhardt.75</a></span></div>
Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-878930369171865812017-11-16T01:35:00.002+01:002017-11-16T01:35:29.400+01:00Solenoide & Der Hybride Klang<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">Solenoide & Der Hybride Klang</span></span><br />
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">(Gedanken-Werkstatt)</span></span><br />
<br />
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">Der Drang der Komponisten, neue Instrumente ihrem klassischen Instrumentarium hinzuzufügen, ist vermutlich so alt wie die komponierte Instrumentalmusik selbst: Nur zu bekannt sind die Beispiele von Wagner (Wagnertuben) und Verdi (Aidatrompeten). Gleichfalls die Erweiterung des akzeptierten Apparates um fremde und gar scheinbar unmusikalische Klangerzeuger: Als bekannt können hier Leopold Mozarts Kindersinfonie (Spielzeuginstrumente) und Tchaikowskys Ouvertüre 1812 (Kanone) vorausgesetzt werden. Ebenso können die erweiterten Spieltechniken in diesem Kontext gesehen werden. Während nun aber in der Vormodernen Musik dieses meistens illustrierende oder programmatische Effekte waren, ändert sich diese Situation ab ca. 1910 und derlei Spielarten können sich emanzipieren und gleichwertig zum Klang- und Geräuschspektrum beitragen. In komplexen Verzweigungen der Kompositionsgeschichte werden nun exotische und alltägliche Instrumente, Gegenstände und Werkzeuge, Spieltechniken, Manipulationen und Choreographien in diesen Sog hineingezogen. Das Aussergewöhnliche wird zum Normalfall der Moderne und ihrer Ausläufer.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/XW-xah5hYIc" width="560"></iframe> </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">In diesem Kontext erscheinen nun Svenssons Solenoide erst einmal nicht ungewöhnlich. Bemerkenswert scheint hier höchstens, dass diese primitiven Zylinderspulen mit Leuchtdioden ausgestattet sind, die (entsprechend gesteuert) verschieden hell leuchten oder flackern und somit zugleich den elektromechanischen Aspekt der Klangerzeugung visualisieren oder eben beleuchten. Erregt oder angeschlagen werden die verschiedensten </span></span><span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">Objet trouvé: gefüllte Einweckgläser, Holzbretter, Metallplatten oder Plastikteile.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/sXxNLFjj4WE" width="560"></iframe><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">Von Anfang an sind die Solenoide in den Ensembleklang integriert bzw. das Ensemble erzeugt ähnliche Klänge und Geräusche, so dass ein homogener Klangkörper aus Ensemble und Solenoiden entsteht. Im Gegensatz zu Stravinsky oder Ligeti will Svenson nun aber gerade nicht das Mechanische betonen, sondern es unterbrechen, stören, vermenschlichen. Die eintönigen Schleifen sollen zum Naturlaut werden, wie er bei Mahler oder Lachenmann vorkommt. Mir scheint auch der Symphonische Ton der </span></span><span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><b>ampèrian loops</b> </span></span>aus dieser Verschleifung zu kommen.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">Das ganze hat den Charme von Steampunk oder dessen literarischen Vorläufern wie Mary Shelley, Jules Verne & H. G. Wells. Assoziationen an Kafka werden geweckt. Das Verhältnis Mensch/Maschine steht im Raum. Auch der Titel verweist aufs Technologisch-Physikalische. Wird das in den drei Stücken problematisiert? Was passiert da? Wie geht der Komponist damit um?</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show"><br /></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
Dennis Eckhard schrieb:</div>
<div style="text-align: justify;">
<blockquote class="tr_bq">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">"Wer
da letztlich was gespielt hat, und was das Besondere am Bedienen dieser Knöpfe
ist, bleibt dann aber fraglich. Die Frage bleibt bestehen, inwiefern hier die
Interaktion von Mensch und Maschine irgendwie neu, oder auch nur anders,
angegangen wurde, und inwiefern das musikalische Produkt dessen, von anderen unterscheidet." <a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2017/09/der-monat-fur-zeitgenossische-musik.html" target="_blank">link</a></span></span></blockquote>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Der Eindruck im Konzert war leider beschränkt. Die Beschaffenheit, Aufstellung und Bedienung der Solenoiden war während der Aufführung nicht erkennbar bzw. durchschaubar. Ein Blick ins Programmheft gab kaum Aufschluß. Also war man dem "Glühbirneninferno" überlassen und konnte den akustischen Teil nur als einen eigenwillig erweiterten Schlagzeugapparat wahrnehmen, der im geräuschhaften Gesamtklang der erweiterten Spieltechniken des Ensembles aufgeht.<br />
<br />
Ein Blick in die Partituren zeigt verschieden strukturierte Ansätze: Im ersten Stück ist der Solenoidpart leider nicht ausnotiert, da anscheinend komplett computergesteuert (s.u.); im zweiten und dritten Stück sind Elektropart und Steuerung (Keyboard) ausnotiert. Während im ersten Stück Klang und Licht der Solenoide gekoppelt sind, wird diese Einheit in den anderen beiden Stücken aufgehoben und differenziert auskomponiert. Die Dichte des Elektromechanischen Apparates nimmt von Stück zu Stück zu. Eine zusammenhängende Aufführung aller drei wäre wünschenswert gewesen, war aber im Rahmen des Doppelportraits zugunsten einer alternierenden Abfolge aufgegeben worden.<br />
<br />
Alltägliches und Aussergewöhnliches werden vermischt, Montage und Demontage, Amputation und Deformation, Abfall und Wertstück, Akustisches und Visuelles, Mensch und Maschine. Ein hybrides Gefüge, ein hybrider Klang entsteht ...<br />
<br />
(Fortsetzung folgt)<br />
<br />
<br />
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
__________________________________________________________________________________</div>
<br />
<div style="text-align: justify;">
<span class="_4n-j _3cht fsl" data-testid="event-permalink-details"><span class="text_exposed_show">Johan Svensson: </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b>ampèrian loops – part I</b> for bass flute, half clarinet, metal can, piano, violin, viola, cello and 8 solenoids (2013) <a href="http://johansvensson.nu/wp/wp-content/uploads/2013/12/Amp%C3%A8rian-loops-part-I_Score.pdf" target="_blank">score</a></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>ampèrian loops – part II</b> for piccolo/bass flute, bass
clarinet, percussion, violin, cello, keyboard and electronics [solenoids,
transducers and vibrators] (2015) <a href="http://johansvensson.nu/wp/wp-content/uploads/2016/11/amp%C3%A8rian-loops-part-II_score.pdf" target="_blank">score</a></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<b>ampèrian loops – part III</b> for piccolo/bass flute, bass
clarinet, percussion, violin, cello, keyboard, vibrators [1 performer]
and electronics [solenoids and transducers] (2017) <a href="http://johansvensson.nu/wp/wp-content/uploads/2017/09/amp%C3%A9rian-loops-part-III-score.pdf" target="_blank">score</a></div>
<br />
<a href="http://johansvensson.nu/" target="_blank">Johan Svensson</a><br />
<a href="http://www.ensemble-mosaik.de/" target="_blank">ensemble mosaik</a><br />
<a href="https://www.facebook.com/events/367737100310489/?acontext=%7B%22source%22%3A3%2C%22source_newsfeed_story_type%22%3A%22regular%22%2C%22action_history%22%3A%22%5B%7B%5C%22surface%5C%22%3A%5C%22newsfeed%5C%22%2C%5C%22mechanism%5C%22%3A%5C%22feed_story%5C%22%2C%5C%22extra_data%5C%22%3A%5B%5D%7D%5D%22%2C%22has_source%22%3Atrue%7D&source=3&source_newsfeed_story_type=regular&action_history=%5B%7B%22surface%22%3A%22newsfeed%22%2C%22mechanism%22%3A%22feed_story%22%2C%22extra_data%22%3A%5B%5D%7D%5D&has_source=1&fref=mentions" target="_blank">Eröffnung: Monat der zeitgenössischen Musik: ensemble mosaik</a><br />
<a href="http://www.inm-berlin.de/de/" target="_blank">Initiative Neue Musik Berlin / field notes</a><br />
<a href="https://www.heimathafen-neukoelln.de/" target="_blank">Heimathafen Neukölln</a><br />
<a href="http://www.evs-musikstiftung.ch/" target="_blank">Ernst von Siemens Musikstiftung</a>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0Berlin, Deutschland52.520006599999988 13.40495399999997552.21073109999999 12.759506999999974 52.829282099999986 14.050400999999976tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-25604698911938411952017-09-27T22:06:00.002+02:002017-09-29T01:29:39.896+02:00The month for contemporary music - first impressions of three concerts<div style="text-align: justify;">
The Month for Contemporary Music: A wonderful idea to increase the visibility (or audibility) of new music. The opening concert was played by Ensemble Mosaik in the Heimathafen, where the works of two composers were presented as a portrait concert. Johan Svensson and Michael Beil were given the opportunity to focus on composing for a month by the Ernst von Siemens Musikstiftung and to present their results directly in this concert.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Permanent clicks and flickers, with small diodes flickering through the Heimathafen during the Ampèrian Loops (three pieces of Svensson). Svensson has built solenoids, which are described in the program book as "small cylindrical coils, which in contact with acoustic objects become archaic-futuristic sound generators". Unfortunately, these solenoids are not explained either in the program or in the concert, so that we have to live somehow with the hectic clacking, jingling, hammering, sounding. In the intermission, the first question is how these things actually work, and what the focus is now on: the pieces themselves, or the interaction of "man and machine" as described in the program booklet.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
As I wrote it in the <a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2016/07/die-rander-der-musikalischen-moderne.html" target="_blank">post</a> "The Edges of Musical Modernism", the focus on "Music in itself" is something tough to swallow for me. Unfortunately, the described interaction in the pieces between man and machine remains unclear since it is simply not explained how this interaction works exactly. Or what is specific to the interaction of humans and solenoids, as opposed to the interaction of man and oboe, man and computer, man and mixing console. An explanation in the program, or better still in the concert itself, was not given, so the listeners are left alone with the usual focus on "the music in itself". I would argue that if there is talk about the fact that New Music has to open up the discussions, there seems to be a misunderstanding here. Even if the music aesthetic and musicphilosophical discourses go in a completely different direction, and always only discuss what music is still possible (or now only) and what is not (as in the break from all corners, again and again, heard "Rihm can no longer be played today"), the discussion must really be turned around the music conditions and making music. You can talk a lot about whether this or that piece is still working today or not, and the musicians can also take their own position: the difference is apparently (why else to build solenoids?) not the music itself, but the fabrication of music.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
As I said, there was nothing explained in the concert. Only the own "fast-running-through-the-rows" after the concert could open the view for the music somewhat: Then you could see that such solenoids were partly some clappers, mechanically-electrically controlled, hammered on water glasses, and with a diode lighting up when they were played. Who finally played something, and what is special about the use of these buttons, remains however questionable. The question remains to what extent the interaction between man and machine has somehow been re-launched, or even differently, and how the musical product differs from others. Because this question is not clear to me, I am giving it to the plenum.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
In the compositions of Michael Beil, this was, fortunately, easier to answer: in collaboration with cameras and video recordings, the musicians had to go to specific positions and performances, which were then projected on a screen - just a few seconds later. Previously stupid-looking movements, suddenly made sense on screen, because someone was still playing the empty movement, giving it a content. Just the first piece of Beil Exit to Enter turned out to be a very entertaining show: musicians who were constantly running up and down, to shoot a few seconds lasting videos, then had to play again, etc. That was a permanent up and down, and a strong coordination performance. Entertaining and confusing at the same time: as the screen and the videos to be recorded were placed directly next to each other.</div>
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Die Fabrikation dieser Musik rückte tatsächlich bei Beil in den Hintergrund, da man im Moment des Geschehens dauernd auf das Interface Leinwand konzentriert war.">The fabrication of this music actually moved to the background, because at the moment of the happening was constantly concentrated on the interface canvas. </span><span title="So beschreibt es auch Beil im Programmheft, dass sich der Fokus immer mehr heutzutage verschiebe, und bedingungslos angenommen werde.">Thus, Beil also describes in the program book that the focus is increasingly shifting nowadays, and unconditionally accepted. </span><span title="Beils Naivität andererseits, wie er bei der Uraufführung seines Stücks Key Jack bemerkte, dass ein auf dem Brett spielender Pianist, dessen Töne von sonstwo kommen, niemanden verwunderte (zu seiner Verwunderung), kann man kaum glauben: Wir alle kennen Kinder, die Luft-">Beil's naivete, on the other hand, as he noted at the premiere of his play, Key Jack, that a pianist playing on the board, whose sounds come from elsewhere, did not marvel at anyone (to his astonishment), we can hardly believe that: We all know children, </span><span title="oder Tisch-Klavier spielen, Luft-Gitarre ist als Festival etabliert.">or table-playing piano, air guitar is established as a festival. </span><span title="Dass man dazu noch Klänge packt, die vorher geloopt wurden, gesampelt wurden, oder live dazu gespielt werden, ist auf einer spielerischen Ebene direkt greifbar.">The fact that you can still pack thereto sounds, that have been looped, sampled, or played live, can be directly grasped at a playful level. Beil's</span><span title="Die große Abstraktion gelingt Beil hier nur sehr hinkend: Dass der Unterschied zwischen Mensch und Maschine angeblich (zumindest teilweise) nicht mehr auszumachen sei, halte ich für einen schlechten Witz – schon allein weil viele der hochkomplexen Performanzen immer wieder leicht fehlerhaft sind: Videos müssen etwas"> great abstraction succeeds here only very limping: That the difference between man and machine supposedly (at least partially) can no longer be determined, I think is a bad joke - already only because many of the highly complex performances are always slightly flawed: videos need to be </span><span title="schneller oder langsamer eingespielt werden, damit sie zeitlich passen, Schnipser, die ein Video ein- oder ausschalten sollen kommen nicht exakt.">faster or slower, so they fit in time, snipers, which should turn a video on or off will not be exact. Don't take</span><span title="Man soll mich nicht falsch verstehen: Ich halte das für eine riesige Leistung, und die kleinen Fehler sind auch nichts Schlimmes."> me wrong: I consider this a huge achievement, and the small mistakes are also nothing bad. </span><span title="Sie machen lediglich die Metapher „Unterschiedslos Mensch/Maschine“ hinfällig.">They merely render the metaphor "man/machine" invalid.</span><span title="Worin Beil ganz wunderbar ist, ist das spielerische Verwirren, wo gerade was passiert, und was davon doch eigentlich nicht zur Bühne gehören kann (oder wie?)."> </span></span><br />
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Worin Beil ganz wunderbar ist, ist das spielerische Verwirren, wo gerade was passiert, und was davon doch eigentlich nicht zur Bühne gehören kann (oder wie?).">Wherein Beil is quite wonderful, is the playful confusion, where exactly what happens, and which can not actually belong to the stage (or does it?). </span><span title="Die großen abstrakten Gedanken dazu kann man sich ernsthaft sparen, da sie dem Spiel eben keinen Ernst hinzufügen.">The great abstract thoughts can be safely skimped since they do not add anything serious to the game. </span><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."> Laughter and smirk were always present in the room - probably the musical-acoustic was more secondary.</span></span></div>
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Genau das Gegenteil von dieser Musik konnte man am Sonntag in unerwarteterweise im Tiergarten hören: Zum Carillon-Festival mit der Berliner Berühmtheit Jeffrey Bossin lädt genannter Musiker im September zu Neuer Musik für das Carillon ein.">Unexpectedly just the opposite of this kind of music could be heard in the Tiergarten on Sunday: The Berlin celebrity musician Jeffrey Bossin invited in September to New Music for Carillon. </span><span title="Jeden Sonntag um 15 Uhr spielt er Werke aus dem 20. und 21. Jhdt.">Every Sunday at 3 pm he plays works from the 20th and 21st century. </span>I do not want to say anything about the works, but to the specifics of what this instrument offers: the carillon is not finished, there is already a tradition of its playing mode, but still one tinkles to the "right" bells (for example,<span title=", die nicht immer die Dur-Terz als Oberton hörbar machen), Dämpfer einzubauen oder ähnliches."> which do not always make the major third as overtone audible), dampers or the like. </span><span title="Das Besondere an dieser Musik liegt eben nicht in der Musik an sich, sondern eindeutig im Glockenturm.">The special thing about this music lies not in the music itself, but clearly in the bell tower. </span><span title="Eine Führung ist hier absolut Pflicht (auch wenn die Oberschenkel bei 42 Stufen irgendwann bei dieser musikalischen Erfahrung anfangen zu meckern).">A guided tour is absolutely obligatory (even if the thighs at 42 steps at some stage in this musical experience begin to moan). </span><span title="Ein Carillon ist eben – wie Bossin zurecht erklärt – nicht wie ein Klavier oder Flügel: Schon millionenfach gebaut, und bis ins extreme Detail standartisiert und professionalisiert.">A carillon - like Bossin explains - is not like a piano or grand piano: those have already been built millions of times, and have been standardized and professionalized to the extreme. </span><span title="Das Instrument entzieht sich damit auch der Idee, es irgendwie anders spielen zu wollen, da man meistens froh ist, es überhaupt bedienen zu können (wenn man bspw. bedenkt, dass bei den großen Glocken 4 kg Gewicht benötigt werden, um sie überhaupt anzuschlagen)">The carillon also eludes the idea of wanting to play it some other way, since you are generally happy to be able to use it at all (if you consider that for the big bells, 4 kg of weight is needed to strike them at all).</span><span title="."> </span><span title="Dazu kommen Schwierigkeiten in der Musikproduktion politischer Seite, die ich hier nicht ausführen will, die aber sehr wohl bei den Ausführungen von Bossin schwer schlucken lassen.">In addition, there are difficulties in the production of music on the political side, which I do not want to perform here, but which are very difficult to swallow in the execution of Bossin.</span><span title="Was das Instrument schafft, sind diese großartigen „feeling like an Idiot“ Momente, die Musik greifbar und verständlich machen: Als Stefan im Glockenturm stand konnte ein ähnliches Bild entstehen, wie ich es bei Erwin Wurms „One Minute Sculpture“ betitelt „feeling like an"> </span></span></span></span><br />
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Was das Instrument schafft, sind diese großartigen „feeling like an Idiot“ Momente, die Musik greifbar und verständlich machen: Als Stefan im Glockenturm stand konnte ein ähnliches Bild entstehen, wie ich es bei Erwin Wurms „One Minute Sculpture“ betitelt „feeling like an">What makes the instrument great are these "feeling like an idiot" moments that make music tangible and comprehensible: When Stefan stood in the bell tower, a similar picture emerged, as I did myself in Erwin Wurm's "One Minute Sculpture" titled"feeling like </span><span title="idiot“ selber machen konnte.">an idiot". </span><span title="Mitten drin zu sein, und doch irgendwie überstülpt.">To be in the middle of it, and yet somehow overstretched. </span><span title="Unsicher der eigenen Wahrnehmung - bestuhlt, beglockt, besolenoid.">Uncertain of one's own perception - be-decked, be-flocked, be-solenoid. </span><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun.">Yes, it has something to do with music!</span></span></span></span><br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5ziciFYt56FrsXC-Owxfj7kvUZlMl_lQFu9pAy5suYZ2aaO4JVNtg0-B0rZWydjHMRL25e1Fe2JmWcnx9vftzCLcuULVMy_rj_JKKQDm01-SzmEWY3DsN9RfLRfXL2VngKriEyJoLYKU/s1600/Stefan+carillon.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi5ziciFYt56FrsXC-Owxfj7kvUZlMl_lQFu9pAy5suYZ2aaO4JVNtg0-B0rZWydjHMRL25e1Fe2JmWcnx9vftzCLcuULVMy_rj_JKKQDm01-SzmEWY3DsN9RfLRfXL2VngKriEyJoLYKU/s640/Stefan+carillon.jpg" width="480" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Stefan with bell</td></tr>
</tbody></table>
<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."> </span></span></span></span><br />
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<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZZIJQosG8qGWkupqgVlDq31X_J6Pw6afSJbR7DR1g3RDclF3ALMtqMRyI6TbxBw_kN3qcPkTo9pQLwV9BQNM3TlKTKlUJwwtX-qWganUtudzQiILsh0n8nc5Rzsh7yopmG1UeU6JE9Oo/s1600/The+Idiot+II%252C+2003+a.jpg" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" data-original-height="570" data-original-width="555" height="640" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgZZIJQosG8qGWkupqgVlDq31X_J6Pw6afSJbR7DR1g3RDclF3ALMtqMRyI6TbxBw_kN3qcPkTo9pQLwV9BQNM3TlKTKlUJwwtX-qWganUtudzQiILsh0n8nc5Rzsh7yopmG1UeU6JE9Oo/s640/The+Idiot+II%252C+2003+a.jpg" width="619" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Dennis with chair</td></tr>
</tbody></table>
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Die Frage ist natürlich "was genau?"">The question is, of course, "what exactly?"</span><span title="Es ist meiner Meinung nach das "Sich-Rantasten-können", selber die Möglichkeit zu erhalten den Stuhl wieder abzunehmen, oder ihn eben bewusst aufzusetzen."> </span></span></span></span></span></span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Es ist meiner Meinung nach das "Sich-Rantasten-können", selber die Möglichkeit zu erhalten den Stuhl wieder abzunehmen, oder ihn eben bewusst aufzusetzen.">In my opinion, it is the possibility to get rid of the chair again, or to put it on purpose. </span><span title="In der Neuen Musik werden uns immer wieder Stühle aufgesetzt;">In the New Music chairs are always placed on us; </span><span title="ob akustisch, oder abstrakt-theoretisch.">whether acoustic, or abstract-theoretical. </span><span title="Die Frage ist, wie den Stuhl abnehmen?">The question is how to remove the chair?</span><span title="Nach diesen Konzerten ging es noch einmal in die Philharmonie: Am Mittwoch, dem 06.09."> </span></span></span></span></span></span><br />
<br />
<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Nach diesen Konzerten ging es noch einmal in die Philharmonie: Am Mittwoch, dem 06.09.">After these concerts we went to the Philharmonic again: On Wednesday, 06.09. </span><span title="spielte das Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam dort das Stück IN-SCHRIFT von Wolfgang Rihm und Bruckners Neunte.">the Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam played the play IN-SCHRIFT by Wolfgang Rihm and Bruckner's Ninth.</span><span title="Ich bin ehrlich: Rihm ist für mich immer wieder ein Favorit!"> I am honest: Rihm is always a favorite of mine! </span><span title="Auch wenn ich beim Hören von Rihm'schen Werken oftmals denke, dass man die Stücke noch hätte eindampfen können, da sie sehr oft sehr langatmig sind, finde ich seine "Bauchmusik" einfach großartig.">Even though I often think that when you listen to Rihm's works, you could have boiled them down as they are often very long-winded, I find his "Bauchmusik" simply great. </span><span title="Gerade das Bild Kreuze aus Tutuguri, Schlagzeuge (ich glaube es waren 6) plus Chor(-einspielungen) halte ich selbst für ein großartiges Werk!">Just the picture </span></span></span></span></span></span><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Gerade das Bild Kreuze aus Tutuguri, Schlagzeuge (ich glaube es waren 6) plus Chor(-einspielungen) halte ich selbst für ein großartiges Werk!">'Kreuze aus Tutuguri', percussionists (I think it were 6) plus chorus (recordings) I consider myself a great work!</span><span title="Und jetzt bin ich eben doch wieder selbst in der "Musik an sich"-Perspektive, die ich eigentlich nicht reproduzieren möchte."> And now I'm just again in the "music in itself" perspective, which I really do not want to reproduce.</span></span></span></span></span></span></div>
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<br /></div>
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Und jetzt bin ich eben doch wieder selbst in der "Musik an sich"-Perspektive, die ich eigentlich nicht reproduzieren möchte."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1">Context, therefore!<br /><br />The concert - I believe can be honestly said - was mostly frequented by Bruckner listeners. The Ninth was applauded vehemently, while I longed for the end already after 20 minutes. Bruckner is kind of like this: Whenever you think it's over, a further development or repetition is presented. <span class="">In contrast to Rihm, to whom I also propose the evaporation, this would actually be an existential question for Bruckner: I find the music hardly audible.</span> <span class="">The IN-SCHRIFT is all the more refreshing.</span> <span class="">One would have liked to hear the work in the room for which it was composed (St. Mark's Basilica in Venice), since here the short and loud tones of the Hall and the depth of the room certainly sounded good.</span> <span class="">Nevertheless, Rihm always entices me to be inspired - the music fights me.</span> <span class="">The composed gut feeling does something to me.</span> Somehow it takes the chair off for me.</span> </span></span> </span></span></span></span></div>
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<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun.">author: Dennis Eckhard </span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun.">(translated by SL)</span></span></span></span><br />
<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."> </span></span></span></span><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."><a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2017/09/der-monat-fur-zeitgenossische-musik.html" target="_blank">Der Monat für zeitgenössische Musik (dt.)</a> </span></span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Das Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig."><span class="" id="result_box" lang="en" tabindex="-1"><span title="Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun."> </span></span> </span></span></div>
Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-90367552492483277462017-09-22T17:45:00.000+02:002017-09-27T22:26:55.774+02:00Der Monat für zeitgenössische Musik - erste Eindrücke von drei Konzerten<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Der Monat für zeitgenössische Musik: Eine wunderbare Idee
um die Sichtbarkeit (oder Hörbarkeit?) von Neuer Musik zu erhöhen. Das
Eröffnungskonzert wurde vom Ensemble Mosaik im Heimathafen gestaltet, in dem
die Werke zweier Komponisten als Portraitkonzert vorgestellt wurden. Johan
Svensson und Michael Beil erhielten von der Ernst von Siemens Musikstiftung die
glückliche Chance sich einen Monat lang nur auf das Komponieren zu fokussieren,
und deren Ergebnisse dann im Konzert auch direkt präsentieren zu dürfen. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ein ständiges Klicken und Klackern, mit kleinen Dioden, die bei
den Ampèrian Loops (drei Stücke von Svensson) den Heimathafen durchflimmern.
Svensson hat Solenoids gebaut, die im Programmheft so beschrieben werden:
„kleine Zylinderspulen, die im Kontakt mit akustischen Objekten zu
archaisch-futuristischen Klangerzeugern werden“. Was diese Solenoids genau sind
wird leider weder im Programm noch im Konzert erklärt, sodass wir erst einmal
mit dem hektischen Klackern, Klimpern, Hämmern, Tröten, irgendwie leben müssen.
In der Pause stellt sich dann die erste Frage, wie diese Dinger eigentlich
genau funktionieren, und worauf nun der Fokus liegen soll: Auf den Stücken an
sich, oder auf der Interaktion „von Mensch und Maschine“, wie es auch im
Programmheft beschrieben wird.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Wie ich es im Post „<a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2016/07/die-rander-der-musikalischen-moderne.html" target="_blank">Die Ränder der musikalischen Moderne</a>“
geschrieben habe, stößt mir persönlich der Fokus auf „Musik an sich“
mittlerweile etwas auf. Die beschriebene Interaktion von Mensch und Maschine
bleibt leider bei den Stücken vollkommen unklar, da schlicht und ergreifend
nicht erklärt wird, wie diese Interaktion genau aussieht. Oder eben, was das
Spezifische an der Interaktion von Mensch und Solenoids ist, eben im
Unterschied zur Interaktion von Mensch und Oboe, Mensch und Computer, Mensch
und Mischpult. Eine Erklärung im Programm, oder besser noch im Konzert selber,
wurde nicht gegeben, und so werden die Zuhörer*innen wieder mal allein mit dem gängigen
Fokus auf „die Musik an sich“ in der Schwebe gelassen. Ich würde festhalten:
Wenn immer wieder davon gesprochen wird, dass die Neue Musik sich den
Diskussionen öffnen muss, dann scheint es hier ein Missverständnis zu geben. Auch
wenn die musikästhetischen und musikphilosophischen Diskurse in eine völlig
andere Richtung gehen, und immer wieder nur diskutieren, was denn an Musik
heute noch (oder jetzt erst) möglich ist und was nicht (so wie man es auch in
der Pause aus allen Ecken immer wieder hörte: „Rihm kann man heute nicht mehr
spielen“), muss die Diskussion eigentlich um die Musikbedingungen und das
Musizieren gedreht werden. Man kann lange darüber reden, ob dieses oder jenes
Stück heute noch geht, und die Musiker*innen können dazu auch selbst Position
beziehen: <i>Der Unterschied liegt doch anscheinend (warum sonst solenoids bauen?)
nicht auf der Musik an sich, sondern auf der Fabrikation von Musik</i>. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Hierzu gab es wie gesagt im Konzert nichts. Lediglich das
eigene „Schnell-durch-die-Reihen-Laufen“ nach dem Konzert konnte den Blick für
die Musik etwas öffnen: Dann sah man, dass solche solenoids teilweise
irgendwelche Klöppel waren, die mechanisch-elektrisch gesteuert, auf
Wassergläser hämmerten, und mit einer Diode anzeigten, wann sie spielten. Wer
da letztlich was gespielt hat, und was das Besondere am Bedienen dieser Knöpfe
ist, bleibt dann aber fraglich. Die Frage bleibt bestehen, inwiefern hier die
Interaktion von Mensch und Maschine irgendwie neu, oder auch nur anders,
angegangen wurde, und inwiefern das musikalische Produkt dessen, von anderen unterscheidet.
Die Frage gebe ich ins Plenum, weil es mir nicht klar ist.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Bei den Kompositionen von Michael Beil war das
glücklicherweise einfacher zu beantworten: In Zusammenspiel mit Kameras und
Videoaufnahmen, mussten sich bspw. die Musiker*innen in bestimmte Positionen
und Performanzen begeben, die dann – nur wenige Sekunden später – auf der
Leinwand zu sehen waren. Zuvor stupid aussehende Bewegungen, ergaben auf der
Leinwand plötzlich einen Sinn, weil nun noch jemand zu der eigentlich leeren
Bewegung musizierte und ihr dadurch einen Inhalt gab. Gerade das erste Stück
von Beil Exit to Enter stellte sich dadurch als ein sehr unterhaltsames
Schauspiel da: Musiker*innen die ständig auf und ab liefen, um wenige Sekunden
dauernde Videos zu drehen, dann wieder spielen mussten, etc. Ein stetes Auf und
Ab, und eine starke Koordinationsleistung war das. Unterhaltsam und immer
wieder verwirrend zugleich: Da Leinwand und aufzunehmende Videos direkt
nebeneinander platziert waren. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Die Fabrikation dieser Musik rückte tatsächlich bei Beil in
den Hintergrund, da man im Moment des Geschehens dauernd auf das Interface
Leinwand konzentriert war. So beschreibt es auch Beil im Programmheft, dass
sich der Fokus immer mehr heutzutage verschiebe, und bedingungslos angenommen
werde. Beils Naivität andererseits, wie er bei der Uraufführung seines Stücks Key
Jack bemerkte, dass ein auf dem Brett spielender Pianist, dessen Töne von
sonstwo kommen, niemanden verwunderte (zu seiner Verwunderung), kann man kaum
glauben: Wir alle kennen Kinder, die Luft- oder Tisch-Klavier spielen,
Luft-Gitarre ist als Festival etabliert. Dass man dazu noch Klänge packt, die
vorher geloopt wurden, gesampelt wurden, oder live dazu gespielt werden, ist
auf einer spielerischen Ebene direkt greifbar. Die große Abstraktion gelingt
Beil hier nur sehr hinkend: Dass der
Unterschied zwischen Mensch und Maschine angeblich (zumindest teilweise) nicht
mehr auszumachen sei, halte ich für einen schlechten Witz – schon allein weil
viele der hochkomplexen Performanzen immer wieder leicht fehlerhaft sind:
Videos müssen etwas schneller oder langsamer eingespielt werden, damit sie
zeitlich passen, Schnipser, die ein Video ein- oder ausschalten sollen kommen
nicht exakt. Man soll mich nicht falsch verstehen: Ich halte das für eine riesige
Leistung, und die kleinen Fehler sind auch nichts Schlimmes. Sie machen
lediglich die Metapher „Unterschiedslos Mensch/Maschine“ hinfällig. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Worin Beil ganz wunderbar ist, ist das spielerische
Verwirren, wo gerade was passiert, und was davon doch eigentlich nicht zur
Bühne gehören kann (oder wie?). Die großen abstrakten Gedanken dazu kann man
sich ernsthaft sparen, da sie dem Spiel eben keinen Ernst hinzufügen. Das
Lachen und Schmunzeln war im Saal immer wieder präsent – wahrscheinlich war das
Musikalisch-Akustische hier eher hintergründig.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Genau das Gegenteil von dieser Musik konnte man am Sonntag
in unerwarteterweise im Tiergarten hören: Zum Carillon-Festival mit der
Berliner Berühmtheit Jeffrey Bossin lädt genannter Musiker im September zu
Neuer Musik für das Carillon ein. Jeden Sonntag um 15 Uhr spielt er Werke aus
dem 20. und 21. Jhdt. Zu den Werken will ich hier gar nichts verlieren, sondern
um das Spezifische, was dieses Instrument bietet: Das Carillon ist nicht
fertig, es ist in seiner Spielweise zwar schon tradiert, aber immer noch
tüftelt man an den „richtigen“ Glocken (bspw. solche, die nicht immer die
Dur-Terz als Oberton hörbar machen), Dämpfer einzubauen oder ähnliches. Das
Besondere an dieser Musik liegt eben nicht in der Musik an sich, sondern
eindeutig im Glockenturm. Eine Führung ist hier absolut Pflicht (auch wenn die
Oberschenkel bei 42 Stufen irgendwann bei dieser musikalischen Erfahrung
anfangen zu meckern). Ein Carillon ist eben – wie Bossin zurecht erklärt –
nicht wie ein Klavier oder Flügel: Schon millionenfach gebaut, und bis ins
extreme Detail standartisiert und professionalisiert. Das Instrument entzieht
sich damit auch der Idee, es irgendwie anders spielen zu wollen, da man
meistens froh ist, es überhaupt bedienen zu können (wenn man bspw. bedenkt,
dass bei den großen Glocken 4 kg Gewicht benötigt werden, um sie überhaupt
anzuschlagen). Dazu kommen Schwierigkeiten in der Musikproduktion politischer
Seite, die ich hier nicht ausführen will, die aber sehr wohl bei den
Ausführungen von Bossin schwer schlucken lassen.</div>
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<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<!--[endif]--><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcViB_N0ZjeT0fEU0y-KjfQOp_cz7sIXeLw-MgMaUXx1yqNWH_xA9Y25xIr4G_zIpwXQgVhUTVUVw7-iokMJY791xIgaseSZcCTlG5FFwvAa7lY8WbnA8zfrbvT-PMCtiAogQSTViR0bO3/s1600/Stefan+carillon.jpg" imageanchor="1" style="clear: left; float: left; margin-bottom: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="1600" data-original-width="1200" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgcViB_N0ZjeT0fEU0y-KjfQOp_cz7sIXeLw-MgMaUXx1yqNWH_xA9Y25xIr4G_zIpwXQgVhUTVUVw7-iokMJY791xIgaseSZcCTlG5FFwvAa7lY8WbnA8zfrbvT-PMCtiAogQSTViR0bO3/s320/Stefan+carillon.jpg" width="240" /></a>Was das Instrument schafft, sind diese
großartigen „feeling like an Idiot“ Momente, die Musik greifbar und
verständlich machen: Als Stefan im Glockenturm stand konnte ein ähnliches Bild
entstehen, wie ich es bei Erwin Wurms „One Minute Sculpture“ betitelt „feeling
like an idiot“ selber machen konnte. Mitten drin zu sein, und doch irgendwie
überstülpt. Unsicher der eigenen Wahrnehmung - bestuhlt, beglockt, besolenoid. Ja doch, das hat etwas mit Musik zu tun. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Die Frage ist natürlich "was genau?"</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Es ist meiner Meinung nach das "Sich-Rantasten-können", selber die Möglichkeit zu erhalten den Stuhl wieder abzunehmen, oder ihn eben bewusst aufzusetzen. In der Neuen Musik werden uns immer wieder Stühle aufgesetzt; ob akustisch, oder abstrakt-theoretisch. Die Frage ist, wie den Stuhl abnehmen?</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ95MjQsHFKz0FM23vuZiXw6rJrDYAvT6H-FBIGo0nd9_tB-NxShyphenhyphenE06RWVq9EJW1dk6lT39PX40bwfnWrO1YWeL-DRX8cak_yMVDVEZQC8Cq21Y_-e-7cOmcpHY4PKSKU5RG4C9PQJFKc/s1600/The+Idiot+II%252C+2003+a.jpg" imageanchor="1" style="clear: right; float: right; margin-bottom: 1em; margin-left: 1em;"><img border="0" data-original-height="570" data-original-width="555" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgJ95MjQsHFKz0FM23vuZiXw6rJrDYAvT6H-FBIGo0nd9_tB-NxShyphenhyphenE06RWVq9EJW1dk6lT39PX40bwfnWrO1YWeL-DRX8cak_yMVDVEZQC8Cq21Y_-e-7cOmcpHY4PKSKU5RG4C9PQJFKc/s320/The+Idiot+II%252C+2003+a.jpg" width="310" /></a></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Nach diesen Konzerten ging es noch einmal in die Philharmonie: Am Mittwoch, dem 06.09. spielte das Royal Concertgebouw Orchestra Amsterdam dort das Stück IN-SCHRIFT von Wolfgang Rihm und Bruckners Neunte. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Ich bin ehrlich: Rihm ist für mich immer wieder ein Favorit! Auch wenn ich beim Hören von Rihm'schen Werken oftmals denke, dass man die Stücke noch hätte eindampfen können, da sie sehr oft sehr langatmig sind, finde ich seine "Bauchmusik" einfach großartig. Gerade das Bild Kreuze aus Tutuguri, Schlagzeuge (ich glaube es waren 6) plus Chor(-einspielungen) halte ich selbst für ein großartiges Werk!</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Und jetzt bin ich eben doch wieder selbst in der "Musik an sich"-Perspektive, die ich eigentlich nicht reproduzieren möchte. </div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Kontext also.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
Das Konzert - das kann man glaube ich ehrlich sagen - war eher von Bruckner-Hörern besucht. Die Neunte wurde heftig beklatscht, während ich schon nach 20 Minuten mich nach dem Ende sehnte. Bruckner ist irgendwie so: Immer wenn du denkst, es ist vorbei, kommt eine weitere Durchführung oder Wiederholung. Im Gegensatz zu Rihm, dem ich auch das Eindampfen vorschlage, wäre das bei Bruckner tatsächlich eine existentielle Frage: Ich finde die Musik kaum hörbar. Umso erfrischender ist die IN-SCHRIFT. Man hätte das Werk gerne in dem Raum gehört, für den es komponiert wurde (Markusdom in Venedig), da hier die kurz und laut angerissenen Töne den Hall, und damit die Tiefe des Raums sicherlich gut ausgelotet hätten. Dennoch verleitet mich Rihm immer wieder dazu selbst inspiriert zu werden - die Musik ficht mich an. Das komponierte Bauchgefühl macht etwas mit mir. Irgendwie nimmt es für mich den Stuhl ab.</div>
<div class="MsoNormal" style="text-align: justify;">
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<a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2017/09/the-month-for-contemporary-music-first.html" target="_blank">the month for contemporary music (eng)</a></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06704746730827486748noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-46053916830173833572017-02-20T22:37:00.000+01:002017-02-20T22:37:08.544+01:00Sofia Gubaidulina - a selectionA selection of various works by Sofia Gubaidulina.<br />
Her musical language brings together all kinds of idioms from music history.<br />
Her works are powerful and expressiv. <br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="344" src="https://www.youtube.com/embed/videoseries?list=PLc29CsFHLtABw49A3DEtg5U-M7CYh-FrX" width="425"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-63691612288696124302017-02-19T18:54:00.000+01:002017-02-19T18:54:33.965+01:00György Kurtág - a selectionA small selection of works by György Kurtág.<br />
He is one of the great hungarian composers like Bartók & Ligeti.<br />
His work is challenging in its intense minimalism and radical concentration.<br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="344" src="https://www.youtube.com/embed/videoseries?list=PLc29CsFHLtACag7XQ0Ys_t0qNm3wPL4Be" width="425"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-85380545961925629822017-02-14T22:34:00.000+01:002017-02-14T22:34:00.900+01:00Igor Stravinsky - The FirebirdIgor Stravinsky's The Firebird in a fine rendition by Pierre Boulez and the Chicago Symphony Orchestra is one of the fabulous things you can find on youtube today. This french-russian highlight of late romantic early modern orchestral music is one of the major sources for many later film scores. It is not easily played and needs a very carfully directed flow to actually work its full magic.<br />
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<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="270" src="https://www.youtube.com/embed/MHmk7yccvws" width="480"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-90292022517301287242017-02-13T22:57:00.001+01:002017-02-13T22:57:55.004+01:00Another Improvisation II 170212<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="270" src="https://www.youtube.com/embed/k3iDcRBLo1s" width="480"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-38571769860651974882017-02-13T00:58:00.001+01:002017-02-13T00:58:19.198+01:00Playing around with the computer: Improvisation 1 take 2<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="270" src="https://www.youtube.com/embed/1piqOX2VP_I?list=PLc29CsFHLtAAFjCnb9OB_3bpUAxLZhP-I" width="480"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com2tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-64107907094707621492017-02-13T00:57:00.001+01:002017-02-13T00:57:16.491+01:00Playing around with the computer: Improvisation 1 take A<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="270" src="https://www.youtube.com/embed/bxtRxTaaZtM?list=PLc29CsFHLtAAFjCnb9OB_3bpUAxLZhP-I" width="480"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com1tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-50010378008185880672016-07-20T18:46:00.000+02:002016-07-20T18:46:02.894+02:00Hanna Fink: Kate Soper – Voices From The Killing Jar<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: large;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">Kate Soper – Voices From The Killing Jar</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">(ein Gastbeitrag von Hanna Fink)</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt8l-M5pTf0QFSAcX2cfbqAQciK_-rSN2ViBJFNxcdsYuOqUglGLCwUI4GBwTlSWJ0EcggRGy-rjJPmVQb9ql0u4w835jmgq6_EinvXY6RFEviZl2ktJ51nC43JYXtHSftPETNKMmnqLw/s1600/KS+KillingJar.png" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="200" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt8l-M5pTf0QFSAcX2cfbqAQciK_-rSN2ViBJFNxcdsYuOqUglGLCwUI4GBwTlSWJ0EcggRGy-rjJPmVQb9ql0u4w835jmgq6_EinvXY6RFEviZl2ktJ51nC43JYXtHSftPETNKMmnqLw/s320/KS+KillingJar.png" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;">Screenshot from Score Follower</td></tr>
</tbody></table>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"> </span> </div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Direkt das erste Stück dieser Reihe von Werken zeitgenössischer Komponistinnen ist sehr kopflastige Musik, man könnte es auch - im fremdwortgespickten Geisteswissenschaftsslang - ‚konzeptuell angelegt‘ nennen. Um dem Stück und damit auch der Komponistin Kate Soper (*1981) wie auch dem eigenen Anspruch gerecht zu werden, reicht also Hören nicht aus. Neben der Partitur wurde uns mit der Doktorarbeit der Komponistin, die dankenswerterweise aus der detaillierten Analyse ihrer eigenen Komposition besteht, eine aufschlussreiche Wegweiserin – musikalisch und interpretatorisch – an die Hand gegeben.</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>1</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span></span></span> Die Künstlerin konstatiert darin, dass ihre Musik erst dann verstanden werden könne, wenn der Aspekt von Gender (und Identität) in Konzeption und Realisation des Opus‘ beachtet würde – von der „[…] möglichen Relevanz für feministische Theorie oder dem Gender der Komponistin[…]“ mal ganz abgesehen.</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>2</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span></span></span> Wir werden uns damit auseinandersetzen. Meiner Meinung nach gewinnt Musikrezension aber auch ungemein durch das Reden über die tatsächliche Musik. Also erst mal frisch ans Werk! </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/LCAt4mKhCpY?rel=0" width="560"></iframe></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Voices from the killing jar, 2010 bis 2012 entstanden, ist ein siebensätziges Werk für Solistin und Ensemble. Geschrieben ist das Werk für die siebenköpfige Wet Ink Band, Kate Soper inbegriffen. Dabei sind nicht wie bislang üblich die einzelnen Instrumente je ein Part, sondern die individuellen Spieler an sich. Sie wechseln u.a. sowohl Position, Rolle und auch das Instrument; die Besetzung lautet daher wie folgt: Sopran/Klarinette/Klavier/Perkussion/Bariton, Flöte, Tenorsaxophon/Klarinette, Klavier, Perkussion, Violine/Trompete, Elektronik. Das Wichtige an dem Ganzen: die Texte. Jeder musikalische Satz oder besser: Akt widmet sich einer Protagonistin der Weltliteratur sowie als Ausnahme einmal einer realen geschichtlichen Person. Dabei wird je ein Moment aus dem (fiktiven) Leben der Frauen und Mädchen zum thematischen und auch musikalischen Ausgangspunkt. Der Titel steht sinnbildlich für die Ausrichtung des Werkes: Stimmen aus dem Tötungsglas. Killing jar ist ein Gefäß, welches von Entomologen zum Insektenfang verwendet wird. Die weiblichen Hauptrollen sind literarische Figuren, die, meist durch die Solistin verkörpert, in Szene gesetzt werden - gefangen in ihren eigenen killing jars, ihrer Situation unentrinnbar ausgeliefert. Der Text wurde dabei von der Autorin zusammengestellt, fragmentiert und collagiert, nachgedichtet und angeordnet. Es handelt sich bei Voices from the killing jar also um sieben verschiedene Dramen, in einem Werk zusammengesetzt und verbunden, mit klar erkennbarem theatralischen Moment und einer hohen Präsenz an sprachlichen Komponenten. Die verschiedenen Momentaufnahmen beruhen der Reihenfolge nach auf folgenden Geschichten:</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />I Prelude: May Kasahara (aus: Haruki Murakami – Mister Aufziehvogel)
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">II My Last Duchess (aus: Henry James – Bildnis einer Dame und Richard Browning – My last Durchess)
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">III Palilalia-Iphigenia (Aeschylus – Agamemnon)
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">IV Voilà Minuit: Lucile Duplessis (einzig reale Person, Frau der frz. Revolution 1771 – 1794)</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">
V Mad Scene: Emma Bovary (aus: Gustave Flaubert – Madame Bovary)
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">VI The Owl and the Wren: Lady Macduff (aus: Shakespeare – Macbeth)
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">VII Her Voice is Full of Money (A Deathless Song): Daisy Buchanan (aus: F. Scott Fitzgerald – The Great Gatsby).</span><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>3</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" mozallowfullscreen="" src="https://player.vimeo.com/video/98109082" webkitallowfullscreen="" width="560"></iframe><br /><a href="https://vimeo.com/98109082">Kate Soper: Voices from the Killing Jar (1/2)</a> from <a href="https://vimeo.com/katesoper">Kate Soper</a> on <a href="https://vimeo.com/">Vimeo</a>.<br />
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Einen Höreindruck möge sich die interessierte Leserschaft selbst verschaffen. Material der musikalischen Gestalten ist alles Mögliche, nur nicht tonal, und wenn doch, dann nicht in Reinform. Es gibt Mikrotonalität, Chromatik, rhythmische Pattern, melodische freitonale Gestalten die an Dodekaphonie erinnern, eine adaptierte Mozart-Arie (V. Satz), Klangflächen mit Liegetönen, Cluster und nicht zu vergessen der Einsatz von elektronisch wiedergegebenen und teils auch erzeugten Klängen durch das Tonband. Für die eingehende Analyse und Beschreibung des Werkes kann man in Sopers Doktorarbeit nachlesen. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Diese Musik ist ungewohnt, streckenweise ungemütlich und unverkennbar das, was man heutzutage aus Respekt vor der Fülle der gar nicht mehr so neuen musikalischen Entwicklungen gemeinhin ‚Neue Musik‘ nennt. Ohne Hintergrundwissen über Konzept und thematische Motivation kann man sich das Werk anhören. Man wird Voices from the killing jar aber anders entgegentreten, wenn die Bereitschaft da ist, zu versuchen, die Aussage der Komponistin in umfassenderem Maße nachzuvollziehen. Beispielsweise über den Text, den man irgendwie gerne als Libretto vorliegen haben möchte. Man muss keine Doktorarbeit gelesen haben, um Zugang zum Werk zu finden. Aber konzeptuelle Musik bedeutet, dass das Konzept untrennbar zur Musik gehört – in welcher Reihenfolge und Abhängigkeit auch immer. Es zu verschweigen, kann ein Stilmittel sein. Oder eine Kunst(Musik-)vermittlung, die noch in Zeiten absoluter Musik hängen geblieben ist.</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>4</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span></span></span> Beides trifft in diesem Falle nicht zu. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" mozallowfullscreen="" src="https://player.vimeo.com/video/98109580" webkitallowfullscreen="" width="560"></iframe><br /><a href="https://vimeo.com/98109580">Kate Soper: Voices from the Killing Jar (2/2)</a> from <a href="https://vimeo.com/katesoper">Kate Soper</a> on <a href="https://vimeo.com/">Vimeo</a>.<br />
</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Kate Soper stellt jedoch heraus, dass ihr Werk nur unter Berücksichtigung des Gender-Aspekts vollständig und adäquat rezipiert werden kann. Als Komponistin und Performerin identifiziert sie sich mit Aspekten der Umstände, Persönlichkeiten, Aktionen und des Verhaltens von den Protagonistinnen. Diese Punkte scheinen für sie Teil einer spezifisch weiblichen Erfahrung zu sein, im Bewusstsein von Verbundenheit mit den Frauenfiguren durch das gemeinsame Schicksal der Unterdrückung, zwingender Umstände etc. Es folgt eine Darlegung, wie sich Sopers persönliche Erfahrungen als Frau in einem männlich dominierten Berufsfeld, nämlich dem der Komposition, in ihrem Konzept für das Werk niedergeschlagen haben. Sie hat (sich) mit Voices from the killing jar einen Raum geschaffen, in dem sie einfach mal Frau sein darf, mit allen Arten von Ausdrucksmöglichkeiten, die sonst im nicht-artifiziellen Bühnenkontext „unerlaubt“ beziehungsweise unerwünscht sind. Sie bezieht sich dabei auf Judith Butlers Theorie vom Gender als sozial konstruierter Performance.</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>5</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span></span></span> Als weibliche KomponistIN fühlt sich Kate Soper erst dann unter (männlichen) Kollegen als gleichberechtige Künstlerin, wenn sie Seiten von sich versteckt, die als Teil ihrer Gender Performance in Anbetracht der sozialen Wirksysteme als Störfaktoren angesehen würden. Man könnte es allerdings auch so formulieren, dass sie gar nicht umhin kommt, sich so zu verhalten, weil ihre Erfahrungen sie so gelehrt haben. Mit dem Werk möchte Soper mit diesem Verhalten brechen. Sie dreht den Spieß praktisch um und bringt das Gefühl, in der realen Welt ständig Komödie spielen zu müssen („to be constantly putting on an act“), auf die Bühne. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />An dieser Stelle sei nun ein wenig Selbstreflexion gefragt. Denn die Art und Weise der Beschäftigung mit diesem Stück scheint paradigmatisch zu sein für die Auseinandersetzung mit Kompositionen von Frauen. Ich als diejenige, die über das Werk schreibt, muss mich für eine Herangehensweise entscheiden. Ich könnte das Werk 1. als eine Komposition mit einer bestimmten, in diesem Falle feministischen oder auch Gender-Thematik behandeln, auf Musik und Inhalt eingehen und im Zuge dessen die Vita und Persönlichkeit der Komponistin so knapp wie nur möglich abhandeln. Wie man es von Besprechungen der Werke männlicher Schaffender eben kennt. Kurz: die Komponistin wird wie ein Komponist behandelt; sie ist aber ja eigentlich eine Komponistin. Die andere Variante wäre, dass ich 2. mein Augenmerk auf die Tatsache richte, dass eine FRAU die Musik geschrieben hat, wobei dann das Musikalische vor lauter oft vermeintlich feministischer Diskussion in den Hintergrund rücken würde. Kurz: die Komponistin wird als vom Komponist abgegrenzt angesehen. Und da Männer sowohl in den Bereichen Komposition wie Kritik überzählig sind, wären Komponistinnen stets DIE anderen, und zwar nicht gleichberechtig. Kate Soper hat mir die Entscheidung abgenommen, indem sie genau diese Thematik zum ersten Anknüpfungspunkt ihrer Werkkonzeption genommen hat. Wobei sich herausstellt, dass nun doch nicht allzu viel über die Musik gesagt werden konnte, welche – Ideenkonstrukte hin oder her – durchdacht und vielseitig gestaltet ist, gerade auch in der Interaktion mit dem Text, dass sich ein eingehendes Hören, Lesen und Verstehen lohnt. Hier stellt sich auch die eigentlich altbekannte Frage, ob das, was der/die KomponistIn zum eigenen Werk kommentiert hat, als eindeutig relevant einzustufen ist… Die Besetzung und der Umgang mit der Rollenverteilung von Solistin und Ensemble sind innovativ wenn auch nicht neu. Der von Satz zu Satz wechselnde Umgang mit dem Text und die Verwendung von unterschiedlichstem Material sind exakt durchdacht und tatsächlich abwechslungsreich gestaltet – wenn beispielsweise die musikalische Substanz für den dritten Satz aus dem Obertonspektrum der Silben des Wortes „Iphigenia“ abgeleitet und metaphorisch für das impertinente Klagen und Wehen der Mutter Clytemnestra eingesetzt wird. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Und dennoch: Voices from the killing jar ist trotz der bisherigen Erkenntnisse als relativ klassisch und inhaltlich mäßig innovativ einzustufen, auch wenn der Ansatz Anderes vermuten lässt. Tradierte Verhaltensmuster und soziale Systeme werden aus der Innenansicht einzelner Figuren erzählt und damit reproduziert, Ausgang ungewiss, Lösung nicht anders vorhanden als in den Geschichten vorgesehen. Soper hätte die Geschichten auch anders enden lassen können. Des Weiteren: das Stück ist von einer weißen, sehr wahrscheinlich privilegierten Frau komponiert. Die Texte handeln von Frauen, die allesamt weiß sind und sich in westlicher bzw. westlich orientierter Gesellschaft befinden. Die Texte basieren durchweg auf von Männern verfassten Erzählungen (außer der realen geschichtlichen Frau). Die einzige offensichtliche musikalische Referenz an bereits Komponiertes zielt in Richtung DES Komponisten der Klassik: W.A. Mozart. Natürlich ein Mann. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br />Und hier zeigt sich nun die Problematik: Ich kritisiere etwas Nicht-Musikalisches. Ich als Frau kritisiere eine der wenigen Frauen, die komponiert. Und in deren Komposition es um Frauen geht. Um es deutlich zu sagen: Es ist toll, wichtig und vorbildlich, dass Kate Soper die bestehenden ungerechten („ungleich“ war gestern!) Machtverhältnisse im Kompositions- und Musikbusiness offen kritisiert und thematisiert. Die Komponistin selbst fordert nun dadurch aber Verständnis für Ihr musikalisches Werk ein, indem sie mit außermusikalischen Aspekten, namentlich Gender, argumentiert. Darauf nicht einzugehen wäre ignorant. Darauf einzugehen bedeutet, sie als eine komponierende Person zu sehen, die ein politisch motiviertes Werk geschrieben hat. Mit welchem ich mich gerne auseinandersetze. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">Fußnoten: </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>1</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span> Soper, Kate: Voices from the killing jar. Columbia University, 2011 [Diss.].</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"> http://academiccommons.columbia.edu/catalog/ac:142949 [30.05.2016]</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>2</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span> Ebd., S. 85.</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>3</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span> Für eine genauere Übersicht der einzelnen Sätze mit Dauer, Besetzungsangaben, Textgenese und </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"> Eigenschaften der musikalischen Gestaltung siehe Soper, S. 4. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>4</span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span> [Ein Diskurs zu Konzept-Kunst sei hier ausgeklammert, wird aber gerne nachgeholt.]</span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">[</span>5</span></span><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">]</span> Butler, Judith: Performative Acts and Gender Consitution: An Essay in Phenomenology and Feminist Theory. </span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-size: x-small;"> In: The Johns Hopkins University Press (Hg.): Theatre Journal 40/4, 1988, S. 519 – 531.</span></span></div>
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"></span><br /><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;">Hanna Fink, Juni 2016</span><br />
<br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><a href="http://katesoper.com/" target="_blank">Kate Soper</a> </span><br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><a href="https://www.facebook.com/soperkate" target="_blank">Kate Soper FB</a> </span><br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><a href="http://academiccommons.columbia.edu/catalog/ac:142949" target="_blank">Kate Soper Dissertation</a> </span> </span><br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"><a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2016/07/die-rander-der-musikalischen-moderne.html" target="_blank">Introduktion: Die Ränder Der Moderne</a> </span><br />
<span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"> </span><br /><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"></span><br /><span style="font-family: "Helvetica Neue",Arial,Helvetica,sans-serif;"></span>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-23948197075664879242016-07-03T13:50:00.001+02:002016-07-03T13:50:51.615+02:00Die Ränder der musikalischen Moderne<div style="text-align: justify;">
<h3>
Einleitung</h3>
Ich gebe es ja zu: Bisher waren viele unserer theoretischen Inputs zu Musik und Ästhetik stark konstruktivistisch, kybernetisch oder systemtheoretisch. Und dieser Post hier, dessen Titel Postmodernität suggeriert, hebt sich davon deutlich ab.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Ich für meinen Teil muss zugeben, dass mich der Konstruktivismus immer fasziniert hat, und dass ich dessen Lektüre und Durcharbeiten nicht reue - gleichfalls stellte sich bei mir aber eine dicke Frustration ein, als ich (als Kulturanthropologe) dazu kam, empirisch zu arbeiten: Sobald ich mit empirischer Realität konfrontiert wurde, wurden konstruktivistisch-systemtheoretische Gedanken hinderlich und wenig produktiv. Mein persönliches Forschungsproblem löste sich dadurch, dass ich erstens postmoderne Erkenntnisse ernster nahm, und zweitens Auswege in der Praxistheorie fand. Vor allem auf Ersteres soll hier nun Bezug genommen werden.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<h3>
Der Auslöser</h3>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Der Auslöser für das, was hier nun folgen soll, ist die Gehaltsästhetik von Harry Lehmann. Diese Theor<span style="background-color: white;"><span style="background-color: white;">ie ist bereits in einer </span><a href="http://filterrauschen.blogspot.de/2016/02/lehmanns-gehaltsasthetik-eine-erste.html" style="background-color: white;" target="_blank"><span style="background-color: white;">Polemik</span> </a><span style="background-color: white;">von mir schar</span></span>f angegriffen worden. Was die Arbeit von Lehmann für mich leistete, wird eben in der Kritik deutlich: Ein theoretischer Fokus auf Ästhetik darf eben nicht ohne postmoderne Erkenntnisse geschehen. Und da nunmal diese "Gehaltsästhetik" der Ausgangspunkt war, muss hier noch einmal kurz erwähnt werden, worin der Knackpunkt der hier auftretenden Reihe <i>feministische Kritik an Musik und Ästhetik</i> liegt.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Was macht Lehmann?</div>
<div style="text-align: justify;">
Durch ein Zusammenbauen von Wahrnehmungs-, Rezeptions- und Kompositionssystemen versucht Lehmann ein abstraktes System auf menschliches (ästhetisches) Tun zu legen, welches den Fokus weg von Identitäten, Körpern, Politiken, konkreten Handlungen und dergleichen hin zum Gehalt von Musik an sich verschiebt.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Was sagt Maturana?</div>
<div style="text-align: justify;">
Maturana hat zusammen mit Varela die Autopoiesis entwickelt. Eine empirisch gefasste Theorie, zur Biologie. Niklas Luhmann hat darauf aufbauend seine Systemtheorie erschaffen. Aus dieser Richtung kommt Lehmann (wie auch in den Kommentarleiste der Polemik nochmal deutlich wurde).</div>
<div style="text-align: justify;">
Im Gespräch mit Bernhard Pörksen macht Maturana folgende Kritik deutlich:</div>
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: justify;">
Das Problem besteht einfach darin, dass Niklas Luhmann den Begriff der Autopoiesis als ein Prinzip zur Erklärung des Sozialen benutzt, das die zu beschreibenden Prozesse und die sozialen Phänomene nicht erhellt, sondern eher <u>verdeckt</u>. Das Konzept der Autopoiesis - verstanden als ein biologisches Phänomen - handelt von einem Netzwerk von Molekülen, die Moleküle hervorbringen. Moleküle produzieren Moleküle, fügen sich zu Molekülen zusammen, lassen sich in Moleküle zerteilen. Niklas Luhmann geht jedoch nicht von Molekülen aus, die Moleküle erzeugen, sondern alles dreht sich um Kommunikationen, die Kommunikationen produzieren. Er glaubt, es handele sich um ähnliche Phänomene, es handele sich um eine vergleichbare Situation. Das ist nicht korrekt, denn Moleküle erzeugen Moleküle ohne fremde Hilfe, ohne Unterstützung. Aber Kommunikationen setzen Menschen voraus, die kommunizieren. Kommunikationen produzieren nur mithilfe von lebenden Systemen Kommunikationen. Durch die <u>Entscheidung</u> Moleküle durch Kommunikationen zu ersetzen, werden die <u>Menschen</u> als die Kommunizierenden <u>ausgeklammert</u>. Sie bleiben außen vor und gelten als unwichtig, sie bilden lediglich den Hintergrund und die Basis, in die das soziale System - verstanden als ein autopoietisches Netzwerk aus Kommunikationen - eingebettet ist. [3]</div>
</blockquote>
<div style="text-align: justify;">
Was heißt das?</div>
<div style="text-align: justify;">
Ich habe im Zitat unterstrichen, was hier von Belang ist:</div>
<div style="text-align: justify;">
Erstens dient der systemtheoretische Ansatz eher zur Verdeckung und Verschleierung von Realitäten, und zweitens ist dem Ansatz eine Entscheidung vorausgegangen. So wie Luhmann hat sich auch Lehmann dazu entschieden den Menschen größtmöglich aus seiner Theorie auszuklammern. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Dieser Aspekt ist so relevant, weil Lehmann behauptete, eine "nicht-normative Theorie zum Paradigmenwechsel" geschaffen zu haben. Seine Theorie ist eben <b>nicht </b>nicht-normativ, da ihr die Entscheidung voraus ging, menschliche Dimensionen des Untersuchbaren, wie Identitäten, Körper oder Politiken, aus der Ästhetiktheorie auszuschließen, indem er die Systemtheorie anwendete.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Der feministische Aspekt wäre hier eben genau andersherum zu verfahren: zur epistemischen Arbeit müssen menschliche Realitäten hinzugezogen werden. Das heißt unter anderem die Realitäten, die bspw. bereits von der Soziologie, der Anthropologie erfasst werden können.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Noch radikaler formuliert ist die Kritik an Luhmann (und damit auch irgendwie an Lehmann) so:</div>
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: inherit;"><span style="background-color: white; color: #252525; font-size: 14px; line-height: 22.4px;">Sie [die Systemtheorie] stelle eher eine Begriffssammlung als ein Theoriegebäude dar: "</span><i style="background-color: white; color: #252525; font-size: 14px; line-height: 22.4px;">Hinter der Fassade ungeheurer Schwierigkeit und einem komplizierten Räderwerk artistischer Begrifflichkeit steckt lediglich eine Handvoll simpler Sätze: Die Welt ist kompliziert, alles ist mit allem verbunden, der Mensch erträgt nur ein begrenztes Maß an Kompliziertheit</i><span style="background-color: white; color: #252525; font-size: 14px; line-height: 22.4px;">" [4]</span></span></div>
</blockquote>
<div style="text-align: justify;">
Und so weiter und so weiter. [5]</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
<h3>
Die Aussage</h3>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Worum es uns hier gehen soll, ist klar zu stellen, dass eine Hinwendung "zur Musik an sich" - egal ob Gehalt, Inhalt, oder dergleichen - nach oder inmitten der Postmoderne (wo auch immer wir grade sind) nicht in Ignoranz dessen geschehen darf. Wiederum wollen wir herausstellen, wieso es "eine nicht-normative Theorie" zu Ästhetik nicht geben kann. Anders gesagt heißt dies, klar zustellen, worin <b>Ästhetik in Körperlichkeiten, Identitäten, Politiken relevant ist.</b></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Robin James hat in einem Post zu "black woman pop music" und die Kritik dieser Musik von "weißen Männern" ziemlich deutlich gemacht, worum es dabei geht:</div>
<blockquote class="tr_bq">
<div style="text-align: justify;">
<span style="background-color: white; font-family: , , serif; font-size: 14px; line-height: 21px;">Aesthetic practices can communicate and perform knowledges that reinforce systems of domination, and they can also communicate and perform subordinate knowledges that map out strategies for survival amid domination. Dominant institutions (like the music industry) and people from dominant groups (like Iggy Azalea or Eric Clapton) separate the aesthetic practice from the implicit knowledges that make it meaningful, and thus neutralize those knowledges and make the aesthetic practice fungible and co-optable. <b>Talking about “the music itself” or “solely music” does the same thing: it is a form of what philosophers call epistemic violence</b>. [6]</span></div>
</blockquote>
<div style="text-align: justify;">
Diese Probleme der <u>epistemischen Gewalt</u> gilt es zu berücksichtigen. Sind denn Komponistinnen heute gleichrangig zu Komponisten? Queere Komponisten_Innen, und alle jene Musikschaffende, die keinen Platz finden - weil Musikindustrien sie nicht wollen, weil Rezipienten es nicht hören, etc. Wir benötigen keine weitere Verschleierung, sondern ein Transparentmachen.<br />
<br />
Die <i>British Academy of Songwriters, Composers and Authors</i> (BASCA) hat gerade am 22. Mai eine Studie veröffentlicht, in der klar wird, dass Frauen und people of colour in der Kompositionsszene Englands nicht nur unterrepräsentiert sind, sondern in einem echten demographischen Dilemma stecken:<br />
<br />
<blockquote class="tr_bq">
Back within
the boundaries of BASCA’s research, it is clear that whilst women accounting
for 36% of all graduates in composition would suggest there’s only a short
journey to equality at this level of education, there is a striking drop-off
when it came to the level of qualifications offered: 39% of undergraduates were
female, 31% of postgraduates and only 14% of PhDs. [7]</blockquote>
Und:<br />
<blockquote class="tr_bq">
Again, the
temptation to think that equality will ‘just happen’, or emerge as a by-product
of society being more enlightened and more diverse is, in BASCA’s view, to be
resisted. Instead, it is a process to be kick-started, pushed forward and
championed, by research, discussion, education and campaigning. </blockquote>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Das <i>Archiv Frau und Musik</i> [8], oder das <i>Verborgene Museum</i> in Berlin [9] sind erste Anlaufpunkte für ein solches Unterfangen. Musik ist immer auch politisch, sie nimmt immer auch Bezug zu Körper, Geschlecht, Identität. Nicht immer in der "Musik an sich", aber in den <b>Kontexten</b>, in denen sie entsteht, in den Prozessen, in denen sie operationalisiert wird, in den Geschehnissen, in denen sie historisiert wird, gegenwärtig gemacht wird, oder kritisch behandelt wird. Die Verhandlung des Ästhetischen von Musik und Kunst, als ein ausklammerndes Projekt, das nicht fähig ist diese Kontexte der Entstehung und des Umgangs mit zu berücksichtigen, halte ich für falsch.<br />
<br />
<h3>
Was folgt</h3>
</div>
<div style="text-align: justify;">
Was auf diesen Post folgen wird, sind Besprechungen von Musikwerken zunächst von Komponistinnen. Eine ständig anwachsende Playlist gibt es <a href="https://www.youtube.com/playlist?list=PLc29CsFHLtACppmm49a1qf3pJRE6CHajy" target="_blank">hier</a>. In ähnlicher Weise wie es in dem neuen Buch "Sounds and Sweet Airs. The Forgotten Women of Classical Music" [10] getan wurde, soll auch hier deutlich gemacht werden, dass eine Hinwendung zur Musik "by itself" nur sinnvoll erscheinen kann, wenn die Entstehungszusammenhänge, die Ränder und das Ausklammern, mit berücksichtigt werden. </div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Um zu verdeutlichen, inwiefern eine ästhetische Theorie normativ sein muss, da ihre Auswüchse es sowieso sind, und ihr immer eine normative Setzung (Entscheidung) vorausging, zeigen wir hier die Ränder der musikalischen Moderne auf, welche bereits durch epistemische und diskursive Gewalt entstanden sind, und die damit umgehen (müssen).</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
Das erste Stück und die erste Komponistin, die in diesem Zusammenhang vorgestellt werden soll, ist Kate Soper mit Voices from the killing Jar - ein quasi ausgezeichneter Fall des eben erwähnten Umgangs mit "Randsein" und "Rand-gemacht-werden".</div>
<div style="text-align: justify;">
<br />
Wer Interesse hat uns bei diesem Vorhaben zu unterstützen möge uns einfach eine Mail schicken oder einen entsprechenden Kommentar hinterlassen.</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
----</div>
<div style="text-align: justify;">
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[1] Hier wurden Anführrungszeichen
verwendet, da es den einen Forschungsstand weder zu feministischer Kritik, noch
zu Postmoderne oder anderen Posts gar nicht gibt. Die Forschungsstände bestehen
in einer engen Verbindung zueinander, produzieren und kritisieren sich
gegenseitig.<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt; text-align: start;">
<br /></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[2] Probleme, die es nach und nach
anzugehen gilt, und Probleme, die auch nicht für jeden gleichermaßen
problematisch sind. Für einen Kulturanthropologen, der immer am Mikro
beobachtet - durch teilnehmende Beobachtung - sind dies allerdings sehr wohl
schwer fassbare Konflikte.<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;"><br />
[3] Pörksen, Bernhard, 2008: Die Gewissheit der Ungewissheit. Gespräche zum
Konstruktivismus. Zweite Auflage, Heidelberg: Carl-Auer, S. 106 (Hervorhebung
D.E.)<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;"><br />
[4] https://de.wikipedia.org/wiki/Systemtheorie_(Luhmann)#Kritik<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<br /></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[5] Siehe dazu auch die Arbeiten von Rainer
Greshoff, beispielsweise: Greshoff, R., 2008: Ohne Akteure geht es nicht!
Oder: Warum die Fundamente der Luhmannschen Sozialtheorie nicht tragen.
Zeitschrift für Soziologie 37: 450–469. Greshoff argumentiert dabei kritisch
aus der Systemtheorie selbst, und kritisiert damit die Theorie quasi von Innen.<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<br /></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[6] https://soundstudiesblog.com/2016/05/16/how-not-to-listen-to-lemonade-music-criticism-and-epistemic-violence/<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<br /></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[7] http://basca.org.uk/2016/05/22/new-basca-research-highlights-lack-diversity-within-classical-music-commissioning/<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;"><br />
[8] http://www.archiv-frau-musik.de/cms/<br />
<!--[if !supportLineBreakNewLine]--><br />
<!--[endif]--><o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[9] http://www.dasverborgenemuseum.de/<o:p></o:p></span></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<br /></div>
<div style="margin: 0cm 0cm 0.0001pt;">
<span style="font-size: 8pt;">[10]
hier: http://www.spectator.co.uk/2016/05/out-of-time-and-harsh-the-historic-treatment-of-the-female-composer/<o:p></o:p></span></div>
<br />
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<div>
<span style="font-size: x-small;"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06704746730827486748noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-85090357505232118162016-02-18T21:16:00.000+01:002016-03-11T10:15:51.308+01:00Lehmanns Gehaltsästhetik - eine (erste) Polemik<!--[if gte mso 9]><xml>
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<br />
<div class="MsoNormal">
</div>
<div class="MsoNormal">
Niemand muss das hier lesen - niemand muss darauf reagieren. Ich muss es loswerden: Es ist eine Polemik. Eine erste Polemik, nach der Vorstellung des Buches in Berlin, und dem Anlesen der ersten 100 Seiten.</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Am 11.02. lud die Galerie Nemstov und Nemtsov zu einem
Gespräch und Vortrag mit Harry Lehmann und der Präsentation seines neuen Buchs „Gehaltsästhetik“
ein. Ich folgte der Einladung und war gespannt auf den Abend. Sein Buch habe
ich erst bis ca. Seite 110 gelesen – Zusammen mit dem Abend ist die Enttäuschung
allerdings jetzt schon vorprogrammiert. Lehmann arbeitet unreflektiert verschiedene Begriffe und Konzepte ab um einen Paradigmenwandel herbeizuführen. Inwiefern das <u>Vorgehen </u>von Lehmann (nicht das Konzept selbst!) mehr als fraglich ist, folgt hier:</div>
<br />
<br />
<b><span style="mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="mso-list: Ignore;">1) <span style="font: 7.0pt "Times New Roman";"></span></span></span>Nicht-normativ:</b><br />
<br />
<div class="MsoNormal">
Die Mär von einer nicht-normativen Theorie: Wie sollte man
nach dem gesamten Konstruktivismus etwas Nicht-Normatives machen können? Wie kann
man dabei immer noch behaupten, dass es ein konstruktivistisches Projekt sei? Lehmann
behauptet am Abend des Gesprächs, er habe eine nicht-normative Theorie
geschaffen, die bei Feststellung der Richtigkeit große normative Auswirkungen
haben könne. Zunächst könnte man sich schon allein daran reiben, dass mir ein
Philosoph bitte erklären möge, woran man die „Richtigkeit“ seiner „Theorie“
denn feststellen oder gar beweisen möge: Woran misst man denn den Realitäts<b style="mso-bidi-font-weight: normal;">gehalt</b> einer philosophischen Theorie?
Hierzu kommt von Lehmann kein Hinweis – er bemüht sich um
das Finden von Beispielen, die seine Theorie stützen mögen (was sich allerdings
bereits in der Diskussion als schwierig erweist). Und als man sich
bereits echauffieren will, stößt Lehmann diesen Satz heraus:<br />
<blockquote class="tr_bq">
„Die
Kunstphilosophie ist der Weg; die Gehaltsästhetik das Ziel.“ </blockquote>
Ich möchte am
liebsten hinter diese beiden Aussagen – <u>„nicht-normativ“ und Programmtheorie</u> –
eigentlich tausend Ausrufezeichen setzen, um auf den eigentlich
offensichtlichen Widerspruch aufmerksam zu machen. Denn diese Setzung mit einem
theoretischen Entwurf einen Begriff möglichst irritationsfrei herleiten zu können, ist
nichts anderes als ein normatives Programm: Wo ist der Forschungsstand, der
irritiert und Begriffe anknüpfbar macht? Wo ist die
methodologisch-epistemologische Begründung zu einer Gehaltsästhetik zu finden?
In seinem Buch und der sehr umfangreichen Einleitung von 2 Seiten, finden wir
dazu folgende Aussage: </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<blockquote class="tr_bq">
„Die Postmoderne war ein Verlegenheitsbegriff, der besagte,
dass eine Epoche zu Ende gegangen war, ohne dass man sich vorstellen konnte,
was ihr folgte. Heute sieht man, dass die Geschichte weiter ihren Lauf nimmt
und das vielbeschworene Ende der großen Erzählungen selbst eine große Erzählung
war.“ (S.7) </blockquote>
</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
„Heute sieht man“ – als wäre klar, dass die normative
Perspektive, die auf den folgenden 200 Seiten ausgearbeitet wird, nicht
Lehmanns Idee, sondern allgemeiner Konsens sei. Er scheint ja nichts damit zu
tun zu haben, wenn „man das sieht“, und er zufällig dazu einen Programmentwurf
mache. „Heute sieht er“, will man entgegenrufen, „Lehmann sieht und Lehmann
schreibt“ – sonst nichts. Das grobkörnige Unverständnis Lehmanns für die
Postmoderne, die er für einen Verlegenheitsbegriff hält (Derrida, Foucault,
Deleuze, Guattari, Haraway zum Trotz), und damit deren Realität abspricht, ist
kaum zu ertragen. Genau aus diesem Unverständnis heraus ist es allerdings
wiederrum verständlich, dass Lehmann aus der Postmoderne wenig gelernt hat: Nach dem Motto "Theorien können nicht-normativ sein, und man kann damit einen Paradigmenwechsel
herbeiführen."<br />
<br />
Diese Dinge wurden tausendfach in der Wissenschaftstheorie und
den Science and Technology Studies durch diskutiert (Beck et al. 2012; Ludwig Fleck 1929; Ludwik Fleck
1980; Merton 1973) – Lehmann verweigert sich Forschungsständen, und der Erkenntnisse, die daraus resultieren. Es ist kein „vielbeschworenes
Ende großer Erzählungen“, sondern es ist ein Ende: Fakt ist nunmal, dass seit
Luhmann und Giddens keine Sozialtheorie mehr produziert wurde, die eine weitere Großerzählung ermöglichen würde! Wer kann mit
Foucault im Rücken denn noch überhaupt behaupten eine Theorie entwerfen zu
können? Oder Guattari und Deleuze, die aufgrund der Unmöglichkeit eine große
Erzählung schreiben zu können, sogar die Form ihrer Texte geändert haben (Deleuze & Guattari 1992). Was
uns die Postmoderne doch gezeigt hat, ist, dass die bisherigen „großen
Erzählungen“ fast immer zu Diskriminierung, Unrecht, Ungleichheitsverhältnissen
geführt haben: Sei es „der Westen“, „der Mann“, „die heterosexuelle
Gesellschaft“, „Europa“, „die Industriekultur“ – alle diese Dinge werden unter
einem riesigen Aufwand seit Jahrzehnten vollkommen zu Recht dekonstruiert (Conrad & Randeria 2002; Said 1985; Weimann 1997). Edward Said
war und ist der berühmteste „Großerzählungsbrecher“ mit seinem Buch „der Orient“. Oder man nehme die Rolle der
Frauen in der Komposition: Das Archiv Frau und Musik (http://www.archiv-frau-musik.de/cms/) bemüht sich in Deutschland
beispielhaft darum (Marshall 1993). </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Das alles interessiert Lehmann allerdings wenig – mit dem
oben zitierten Satz der Einleitung nimmt er sich selbst aus der Theorieproduktion
raus und versucht sie nicht-normativ zu machen, und damit die gesamte
Postmoderne, ihre Arbeiten, ihre Erkenntnisse und ihre Realitäten als „bloße
Erzählung“ und „Verlegenheitsbegriff“ zu deklarieren.<br />
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<span style="mso-bidi-font-family: Calibri; mso-bidi-theme-font: minor-latin; mso-fareast-font-family: Calibri; mso-fareast-theme-font: minor-latin;"><span style="mso-list: Ignore;"></span></span></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<br /></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<b> 2) Theorie:</b></div>
<div class="MsoListParagraph" style="mso-list: l0 level1 lfo1; text-indent: -18.0pt;">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Man wünscht sich eine Einleitung in dem Buch, die wenigstens versucht zu erklären, was die (1)
Methodologie, (2) Epistemologie und (3) Phänomenologie dieser Arbeit ist (wenigstens eins davon) – von einem
Forschungsstand wenigstens aus „seiner“ Disziplin der Philosophie ganz zu schweigen. Einen Forschungsstand, der erklärt, welche Begriffe er warum für
untauglich hält, und welche er warum für wandelbar hält, und welche er warum
für produktiv hält. Das scheint allerdings einen Lehmann ebenfalls nicht zu erschüttern:
Es wird sogleich ein Entwurf einer gesamten Ästhetik-Theorie geliefert. Ich
gebe mal ein Beispiel:</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Lehmann baut seine Theorie auf einer Wahrnehmungsästhetik auf, die er allerdings neuro-psychologisch
zusammensetzt. Um den Begriff der „Erfahrung“ für
ihn analytisch fruchtbar zu machen, bringt Lehmann plötzlich („plötzlich“, da
er nicht erklärt warum er diesen Forschungsstand einbezieht) die
Neuropsychologie am Beispiel einer Katze, die jagt, und dabei lernen kann, ins
Spiel: </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<blockquote class="tr_bq">
„Seit über einem Jahrhundert wird die Lernfähigkeit von
Tieren als Teildisziplin der Psychologie erforscht.“ (S.10) </blockquote>
</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Man will Lehmann schon wieder entgegenrufen, wieso er die
Wahrnehmungsästhetik (Erfahrung) mit einer Katze herleitet (wo doch Mensch und
Tier-Verhältnisse, -Ökologien, -Psychen, und dergleichen im Bereich der animal
studies ausdiskutiert werden)? Und wieder versucht Lehmann seine Theorie
nicht-normativ und damit zu einer „echten ausgewachsenen Theorie“ zu machen,
indem er sich selbst rausstreicht, und die Begründung für den Einbezug der
Neuropsychologie der Geschichte überlässt: „Seit (…) wird (…) erforscht.“
Nirgends lässt sich etwas darüber lesen, wie Lehmann dazu kommt die
Neuropsychologie einzubeziehen, und wieso er nicht Erfahrungsbegriffe aus „seiner“ Disziplin nimmt: Was
ist mit dem amerikanischen Pragmatismus? John Dewey und seinem Buch Experience
and Nature? Der darauf aufbauenden Erfahrungsuntersuchungen in der Philosophie,
der Soziologie und den empirischen Kulturwissenschaften? Was ist mit der darauf
aufbauenden Praxistheorie, angefangen bei Alfred Schütz, über Pierre Bourdieu,
bis hin zu Karen Barad (Barad 2007; Bourdieu & Wacquant 1996; Dewey 1958;
Schütz 1945, 2013)?</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Wiederrum interessiert dies Lehmann alles nicht – wir werden
leider nie erfahren, wieso er diese Begriffe, Konzepte und Texte
aneinanderreiht: Die Theorie ist ja nicht normativ, daher können wir da wohl
keine Meinung und Begründung erwarten. Und da in Lehmanns Verständnis die Norm auch keinen Einfluss auf die Theorie haben dürfte, würde eine Begründung von ihm dazu ja nicht helfen. </div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Ich will es noch deutlicher machen, worin diese Arbeit
methodologisch nicht nur unterernährt, sondern sogar unbedarft ist:</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<blockquote class="tr_bq">
„Ein Schlüsselbegriff der Ästhteik ist der Begriff der
ästhetischen Erfahrung. Ein Aspekt hat in den einschlägigen
Erfahrungsästhetiken allerdings kaum eine Rolle gespielt: nämlich, dass man „aus
Erfahrungen lernen kann.“ (S.9)</blockquote>
</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
Wiederrum müssen wir uns fragen, woher Lehmann diese Erkenntnis gewonnen hat. Lehmann selbst gibt dazu keine Antwort,
und auch keinen Hinweis. Dabei können wir bei den genannten Pragmatisten genau diesen Umstand finden:<br />
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
<blockquote class="tr_bq">
<span lang="EN-US" style="mso-ansi-language: EN-US;">„We cannot
lay hold of the new, we cannot even keep it before our minds, much less
understand it, save by the use of ideas and knowledge we already possess. […] But
just because the new is new it is not a mere repetition of something already
had and mastered. The old takes on new color and meaning in being employed to
grasp and interpret the new. The greater the gap, the disparity, between what
has become a familiar possession and the traits presented in new subject-matter,
the greater is the burden imposed upon reflection; the distance between old and
new is the measure of the range and depth of the thought required.” (<span style="background-color: white;">Dewey, 1958: ix</span>)</span></blockquote>
</div>
<div class="MsoNormal">
<br /></div>
<div class="MsoNormal">
John Dewey gibt hier bereits <span style="background-color: white;">1958 </span>einen philosophischen Anknüpfungspunkt zu
einer Ästhetik, die auf praktischer Erfahrung basiert. Dewey suchen wir
allerdings vergeblich in Lehmanns Buch (bisher). Sucht die Kunst und die Musik
wirklich immer noch nach der einen Theorie? Oder wenigstens nach einer
Theorie? Inwiefern hat das Durchleben der Postmoderne denn überhaupt Sinn
gemacht, wenn wir immer noch nach solchen Theorien fragen und versuchen nach
ihnen zu greifen? Wir brauchen keine epistemische Bomben, sondern gute
Methoden, die zum Beispiel erklären, woher ein bestimmer Ästhetik-Begriff
kommt. Von Seiten der Philosophie brauchen wir eine akribische <b>Begriffsarbeit</b>, die –
die Erkenntnisse aus der Postmoderne akzeptierend – sich um Methodologie,
Epistemologie und Phänomenologie sorgt. Wir brauchen philosophische Ansätze,
die bei einem „Wie“ ansetzen, an Prozessen, an Herstellungsereignissen, und
kein neuer Versuch einer großen Erzählung.<br />
<br />
<br />
<b>3) Die eigene Postmodernität</b><br />
<br />
Die große Stärke von Lehmanns Arbeit, soweit ich sie rezipiert habe, liegt darin, dass sie kaum festzunageln ist (Danke an M für diese Formulierung): Sie wabert hin und her, und hat viele Punkte, die man bejahen möchte. Wenn Lehmann davon spricht, dass Erfahrung und Wahrnehmung eben auch neuropsychologische Faktoren besitzt (ja!), wenn er davon spricht, dass man aus Erfahrung lernen kann (ja!), wenn er davon spricht, dass es irgendwie so etwas wie einen "Eigenwert" und einen (kulturell zugeschriebenen) "Übertragungswert" von etwas gibt (ja!), wenn er davon spricht, dass es so etwas wie Medienverschachtelungen gibt (ja!).<br />
<br />
Das Problem besteht darin, dass das eigene philosophische Arbeiten noch mitten in der Postmoderne steckt: Wäre es ein Stückchen davon rausgehoben (wiederrum: nicht drumherum), dann würde sich <u>das Arbeiten auch mit der eigenen Arbeitsweise selbst beschäftigen</u>. Dann gäbe es zu Beginn des Buches erst einmal 100 Seiten, die das eigene Tun reflektieren und positionieren, die es methodologisch unterfüttern. Stattdessen bekommen wir viele kluge Gedanken, die leider einfach aneinander gereiht werden:<br />
<br />
<blockquote class="tr_bq">
"Durch die besondere Verbindung von Kunst und Technik kommt es in der europäischen Kunst zu einer starken Verschachtelung von Wahrnehmungsmedien, welche die ästhetische Erfahrung des Schönen am Kunstwerk wahrscheinlicher macht und präpariert." (S. 107)</blockquote>
<br />
Ja und nochmals ja! Mag sein, dass es diesen Gedankengang in dem Diskurs der Ästhetik noch nicht gab, mag sein, dass dies ein Gedankengang ist, der den Diskurs weiterführt. Was ich mir von einer Theorie erwarten würde, welche die Postmoderne irgendwie ablösen will, wäre auch nichtpostmodernes Arbeiten - Lehmanns Arbeit bleibt aber ein unreflektiertes Aneinanderreihen.</div>
<div class="MsoNormal">
<br />
Eine Kunst- oder Musikphilosophie, welche die Postmoderne als Forschungsstand akzeptiert, müsste zum Beispiel Sexualität, Körperlichkeit, Geschlechtlichkeit (Schäfer 2013, Marshall 1993), Räumlichkeit, Kontextualisierungen (im strukturalen Sinne (Piaget 1968), im strukturierenden Sinne (Giddens 1984), im strukturlosen Sinne (Latour 2005)) einbauen. Wir brauchen an Realität anknüpfbare theoretische Überlegungen, die <u>das Komponieren auch anhand des Komponierenden</u> erklären, und kein Herbeieifern von einem angeblichen Paradigmenwechsel.<br />
<br />
<br />
<b>4) erstes (polemisches) Fazit</b><br />
<br />
Man kann lange darüber streiten, ob das Konzept Gehaltsästhetik denn Sinn macht, auf welche Beispiele es sich übertragen lässt, und worauf nicht. Das von mir angesprochene Problem besteht darin, dass die Herleitung dieses Konzepts, und die Voraussetzungen dazu im Sinne einer wissenschaftlichen Handwerklichkeit mehr als dürftig sind.<br />
Man kann Lehmann in vielen Punkten zustimmen und ihm Recht geben. Man kann sich vieles daraus ziehen und damit weiterarbeiten - bisher ist die "Theorie" aber nur ein Flickenteppich, der um viele Forschungsstände drum herum redet, sie vermeidet, und Begriffe nicht akribisch genug ausdefiniert.<br />
<br />
<br />
<br />
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<!--[if supportFields]><span
style='mso-element:field-begin;mso-field-lock:yes'></span>ADDIN Mendeley
Bibliography CSL_BIBLIOGRAPHY <span style='mso-element:field-separator'></span><![endif]--><span style="font-size: x-small;">Barad, K., 2007: Meeting
the Universe Halfway. Quantum physics and the entanglement of matter and
meaning. Durham, London: Duke University Press.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Beck, S., J. Niewöhner
& E. Sørensen, 2012: Science and Technology Studies. Eine
sozialanthropologische Einführung. Bielefeld: transcript.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Bourdieu, P. &
L.J.D. Wacquant, 1996: Reflexive Anthropologie. Frankfurt am Main: Suhrkamp.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Conrad, S. & S.
Randeria (Hrsg.), 2002: Jenseits des Eurozentrismus. Postkoloniale Perspektiven
in den Geschichts- und Kulturwissenschaften. Frankfurt/New York: Campus.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Deleuze, G. & F.
Guattari, 1992: Tausend Plateaus. Kapitalismus und Schizophreni. Berlin: Merve.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Dewey, J., 1958:
Experience and Nature. New York: Dover.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Fleck, L., 1929: Zur
Krise der „Wirklichkeit“. Die Naturwissenschaften 17: 425–430.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Fleck, L., 1980:
Entstehung und Entwicklung einer wissenschaftlichen Tatsache. (L. Schäfer &
T. Schnelle, Hrsg.). Frankfurt am Main: suhrkamp.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Giddens, A., 1984: Die
Konstitution der Gesellschaft. Frankfurt/New York: Campus.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Latour, B., 2005:
Reassembling the Social. An Introduction to Actor-Network-Theory. (O. U. Press,
Hrsg.). New York.<o:p></o:p></span></div>
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small; text-indent: -24pt;">Lehmann, H., 2016: Gehaltsästhetik. Eine Kunstphilosophie. Paderborn: Fink.</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Marshall, K., 1993:
Rediscovering the Muses: Women’s Musical Traditions. Northeastern University
Press.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Merton, R.K., 1973: The
Sociology of Science. Theoretical and Empirical Investigations. . Chicago,
London: University of Chicago Press.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Piaget, J., 1968: Der
Strukturalismus. Olten: Walter.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Said, E.W., 1985:
Orientalism reconsidered. Race & Class 27: 1–15.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Schäfer, H., 2013: Die
Instabilität der Praxis. Reproduktion und Transformation des Sozialen in der
Praxistheorie. Weilerswist: Velbrück Wissenschaft.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Schütz, A., 1945: On
Multiple Realities. Philosophy and Phenomenological Research 5: 533–576.<o:p></o:p></span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="font-size: x-small;">Schütz, A., 2013: Der
sinnhafte Aufbau der sozialen Welt: Eine Einleitung in die verstehende
Soziologie. Frankfurt am Main: Springer.</span></div>
</div>
<div class="MsoNormal" style="margin-left: 24pt; text-indent: -24pt;">
<div style="text-align: left;">
<span style="text-indent: -24pt;"><span style="font-size: x-small;">Weimann, R. (Hrsg.),
1997: Ränder der Moderne. Repräsentation und Alterität im (post)kolonialen
Diskurs. Frankfurt am Main: suhrkamp.</span></span></div>
</div>
<br /></div>
Anonymoushttp://www.blogger.com/profile/06704746730827486748noreply@blogger.com16tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-45180899166146946542015-10-12T22:48:00.000+02:002015-10-12T22:48:25.840+02:00Ole Hübner: "Die Irrfahrten des Odysseus"<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Musiktheater als 'Irrfahrt'</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Kurzweilige 90 Minuten dauert die Produktion "Die Irrfahrten des Odysseus" zwischen Klamauk, Improvisation, Tanz, Sprechtheater und musischen Inseln. Ole Hübner komponierte die Musik zu der Kooperation der Deutschen Oper (Tischlerei) und dem Jugendtheater an der Parkaue. Es wird gezeigt wie Theater bzw. Oper oder eben auch Musiktheater gemacht wird. Die Requisiten liegen auf der Bühne, die Musiker spielen auf einer Insel, die Multimedia auf einer anderen, nichts wird versteckt. Der Odysseus ist austauschbar. Drei Schauspieler sind zur Hand und auch eine Stimmperfomerin kann ad hoc einspringen, um den Odysseus und alle anderen Charaktere des antiken Epos zu geben. Das ganze fängt mit der Vorstellung der Beteiligten an, ohne dabei sich allzu ernst mit der Realität der Mitwirkenden aufzuhalten und sofort ein schillerndes Netz zu spinnen aus Tatsachen und frei erfundenen Fakten: Die Götter des Olymp beauftragen diese Sterblichen mit der Produktion der Irrfahrten. Natürlich muß es billig sein, da Griechenland gerade in der Krise steckt.</span><br />
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWq7Qiaa6u9brIFQVoQtVWw_IUjgFpMGwaenTYLTot0eQUOjYetx5YNDJm0-mSvF76wVeqIZv-I42or_wKUUE1jIxrgKb_fmK0pv_s8M0w9nd_YCSklXGvTUC_b5a1IvfjckWpsT39dSw/s1600/2015-10-11+15.34.36.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWq7Qiaa6u9brIFQVoQtVWw_IUjgFpMGwaenTYLTot0eQUOjYetx5YNDJm0-mSvF76wVeqIZv-I42or_wKUUE1jIxrgKb_fmK0pv_s8M0w9nd_YCSklXGvTUC_b5a1IvfjckWpsT39dSw/s320/2015-10-11+15.34.36.jpg" width="320" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjETyF8C5vIiZlJebRurLfMHE2OqVtS90QBooIc9JApGEw6J6EhuWjlkm6tdBUBSoMOUpTv7JOU1RZedV283L5AMhM2urprT-YTXyref6ViUoTdFCOt0Hc3TH0aCEjEINPtLulFAcSfFjs/s1600/2015-10-11+15.25.32.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="320" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjETyF8C5vIiZlJebRurLfMHE2OqVtS90QBooIc9JApGEw6J6EhuWjlkm6tdBUBSoMOUpTv7JOU1RZedV283L5AMhM2urprT-YTXyref6ViUoTdFCOt0Hc3TH0aCEjEINPtLulFAcSfFjs/s320/2015-10-11+15.25.32.jpg" width="320" /></a></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Der Fokus liegt meist auf dem gesprochenen Text und visuellen Medien. Die Musik ist meist untermalend, illustrierend. Insofern ist das ganze eher Theater mit Musik als ein Musiktheater. Souverän bricht der Komponist mit Genres, Stilen und Epochen. Vieles wird improvisiert und sequenziert. Manche Zitate sind subtil und geistreich, vielleicht für Kinder ab 10 Jahren nicht auf Anhieb verständlich, aber durchaus vermittelbar. Lady Gaga und die Tatortmusik leicht indentifizierbar in den Ablauf integriert. Die Machart bzw. das Baukastenartige des Ganzen entspricht der Produktion: Die Musik muss wie der Text flexibel sein; die Werkstatt, das Work-in-Progress als Anschauungsform und Erfahrung. So ist das Finale verhandelbar: Ein neues Ende wird konstruiert, ein gutes Ende, ein Happy End, eben ein Opern-Cartoon-Finale.</span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/6n9jfIi7vng" width="560"></iframe></span><br />
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;"><br /></span>
<span style="font-family: "Trebuchet MS",sans-serif;">Alles in Allem empfehlenswert. Hingehen, angucken, lachen!</span></div>
Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-40261103486145654112015-09-07T10:55:00.000+02:002015-09-07T10:55:08.270+02:00Musikfest Berlin 2015<a href="https://www.facebook.com/events/536433373174746/" target="_blank">Musikfest</a><br />
<br />
IWAN WYSCHNEGRADSKY [1893–1979]<br /> Arc-en-ciel<br /> für sechs im Zwölfteltonabstand gestimmte Klaviere op. 37 / op. 52a [1956/72]<br /> <br /> GEORG FRIEDRICH HAAS [*1953]<br /> limited approximations<br /> für sechs im Zwölfteltonabstand gestimmte Klaviere und Orchester [2010]<br /> <br /> ARNOLD SCHÖNBERG [1874–1951]<br /> Pelleas und Melisande<br /> Symphonische Dichtung nach Maurice Maeterlinck op. 5 [1902/03]<br /> <br /> KLAUS STEFFES-HOLLÄNDER / MATAN PORAT / FLORIAN HOELSCHER / JULIA VOGELSÄNGER / AKIKO OKABE / CHRISTOPH GRUND Klaviere<br /> <a href="https://www.facebook.com/swrso">SWR Sinfonieorchester</a><br /> <a href="https://www.facebook.com/pages/Fran%C3%A7ois-Xavier-Roth/113407595374870">François-Xavier Roth</a> Leitung<br />
<br />
<table align="center" cellpadding="0" cellspacing="0" class="tr-caption-container" style="margin-left: auto; margin-right: auto; text-align: center;"><tbody>
<tr><td style="text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd9-0B5oxjKxe-4TFxGc2fOnD9fi3Mueec3ORnz6LGXD1Az8zUlvsBsmBVqxwuG1O6S-Orbygu6o5cZIc2wnYnA4Sf08w-4eKQ9Pj9XOo4rH_yT2taG_vXCCzRk9jvzwLwFNJCeOrq_ek/s1600/10866221_10153042186923716_2931311461474731762_o.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: auto; margin-right: auto;"><img border="0" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjd9-0B5oxjKxe-4TFxGc2fOnD9fi3Mueec3ORnz6LGXD1Az8zUlvsBsmBVqxwuG1O6S-Orbygu6o5cZIc2wnYnA4Sf08w-4eKQ9Pj9XOo4rH_yT2taG_vXCCzRk9jvzwLwFNJCeOrq_ek/s320/10866221_10153042186923716_2931311461474731762_o.jpg" width="320" /></a></td></tr>
<tr><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption">SWR SO © Marco Borggreve</span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td><td class="tr-caption" style="text-align: center;"><span class="fbPhotosPhotoCaption" data-ft="{"tn":"K"}" id="fbPhotoSnowliftCaption" tabindex="0"><span class="hasCaption"> </span></span></td></tr>
</tbody></table>
<span class="fsl"><span class="text_exposed_show">Progammtext:</span></span><br />
<br />
<span class="fsl"><span class="text_exposed_show">Die symphonische
Dichtung „Pelleas und Melisande“ ist Arnold Schönbergs erstes Werk für
großes Orchester. Sie entstand während seines ersten Berlin-Aufenthaltes
von 1901 bis 1903. Schönberg arbeitete dort zunächst als Kapellmeister
im Berliner Kabarett-Theater Überbrettl und unterrichtete dann, auf
Empfehlung Richard Strauss’, Musiktheorie am Stern’schen Konservatorium.
Richard Strauss war es auch, der ihn auf das Drama „Pelléas et
Mélisande“ von Maurice Maeterlinck hinwies und als Opernstoff empfahl.
In Schönbergs Adaption des Stoffes ist das Maeterlinck’sche Drama
Voraussetzung, nicht aber der Inhalt seiner symphonischen Dichtung. Der
nach-romantische Klanggestus des groß dimensionierten Orchesters ist nie
beschreibend, sondern verwandelt die Geschichte von „Pelleas und
Melisande“ in eine Abfolge von musikalischen Stimmungs- und Raumbildern.<br /> <br />
Georg Friedrich Haas’ Komposition „limited approximations“ von 2010
bindet sechs mikrotonal gestimmte Klaviere in den großen
Orchesterapparat ein und breitet so einen Fächer irisierender Harmonien,
Klangschattierungen und ungewöhnlich satter Konsonanzen auf.
Symphonisch angelegt ist auch die Kompositon „Arc-en-Ciel“ für sechs
Klaviere des russischen Komponisten Ivan Wyschnegradsky – ein Versuch
die Mikrostrukturen ungewöhnlich dichter Harmonien in ihrer Farbigkeit
zum Vorschein zu bringen.</span></span>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-28775510786632543712015-06-01T22:56:00.000+02:002015-06-02T12:43:08.836+02:00Jukebox: Scriabin Piano Sonata No. 7 op. 64 <div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8yEpqLAdoAW2cC3fJdaefdFLKjERt5m6mtTU1MLbHE_JS2xF3TsZgDmkxLx0Zg1KJB1zhwxUx9mbcKtBpQYRc2UeJfirlkQp6LEAZxG01wWcyRXGIgx9B13rEOB3YTTAFONQATCr5f8s/s1600/headbanner.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="78" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg8yEpqLAdoAW2cC3fJdaefdFLKjERt5m6mtTU1MLbHE_JS2xF3TsZgDmkxLx0Zg1KJB1zhwxUx9mbcKtBpQYRc2UeJfirlkQp6LEAZxG01wWcyRXGIgx9B13rEOB3YTTAFONQATCr5f8s/s200/headbanner.jpg" width="200" /></a></div>
<br />
<span style="font-family: Trebuchet MS, sans-serif;">Alexander Skrjabins Klaviersonate No. 7 op. 64 ("Weisse Messe"/'White Mess') in einer wundervollen Aufnahme von Vladimir Ashkenazy:</span><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/fRVq0vBJD10?list=PLc29CsFHLtABz0D7Sv5746FvWEPew4rqh" width="560"></iframe>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0tag:blogger.com,1999:blog-5537140462920353486.post-3012455310184767162015-05-24T10:03:00.000+02:002015-05-24T10:03:37.500+02:00Jaan Pehechan Ho<span style="font-family: Helvetica Neue, Arial, Helvetica, sans-serif;">Bollywood objet trouvé:</span><br />
<br />
<iframe allowfullscreen="" frameborder="0" height="315" src="https://www.youtube.com/embed/3IbdnTeMGpM" width="420"></iframe><br />
<br />
<span style="font-family: Helvetica Neue, Arial, Helvetica, sans-serif;">(via <a href="https://www.facebook.com/pages/Dangerous-Minds/101990813189245" target="_blank">Dangerous Minds</a>)<br /><br />Fantastic dance number from the movie <a href="http://www.imdb.com/title/tt0247394/?ref_=fn_al_tt_1">Gumnaam</a> (1965), appeared notably in the also great movie <a href="http://www.imdb.com/title/tt0162346/?ref_=nv_sr_1">Ghost World</a> (2001). Performed by <a href="http://en.wikipedia.org/wiki/Mohammed_Rafi">Mohammad Rafi</a>. <br /><br />Gumnaam: After dancing together in a night club, seven young people (five men and two women) are told they have won the night's dance contest and are instructed to board a small plane that will take them to their prize holiday.<br /><br />Ghost World: Opening segment contains Enid dancing to the theme from this movie which we see as Enid is watching it on her television.</span>Stefan Lischewskihttp://www.blogger.com/profile/16266451415432047238noreply@blogger.com0